A tre anni da La via dell’acqua, James Cameron torna su Pandora con Avatar: Fuoco e Cenere, terzo capitolo della saga, al cinema in Italia dal 17 dicembre. Ambientato poche settimane dopo la morte di Neteyam, il film segue la famiglia Sully nel pieno del lutto e introduce il Popolo della Cenere, guidato dalla magnetica Varang. Tra guerra, trauma, spiritualità ferita e immagini di travolgente potenza visiva, Cameron firma il capitolo più tenebroso, emozionante e radicale dell’intera saga
Dopo l’acqua, il fuoco
Avatar: Fuoco e Cenere non è un film che riparte. È un film che sanguina. James Cameron decide di non concedere allo spettatore alcuna vera tregua emotiva dopo La via dell’acqua: la morte di Neteyam non viene rimossa, né metabolizzata, ma lasciata marcire dentro i personaggi come una ferita aperta. Pandora, per la prima volta, non è solo un luogo da scoprire o difendere, ma uno spazio attraversato dal dolore, dalla colpa e dalla rabbia.
L’incipit chiarisce subito l’intenzione: la famiglia Sully è spezzata perché non sono più solo guerrieri o custodi di un equilibrio, ma una nucleo in fuga. Dopo aver trovato rifugio presso i Metkayina, il clan dell’Acqua, sono costretti ad abbandonare anche quella fragile tregua e a rimettersi in cammino, attraversando Pandora come migranti in cerca di un nuovo approdo. Una condizione che riecheggia quella dei Tulkun e che rimanda con discrezione ma forza all’attualità del nostro mondo.Jake è nuovamente un soldato, Neytiri una madre consumata dal lutto, i figli rimasti cercano un senso in un mondo che non riconoscono più. Cameron trasforma il trauma in motore narrativo e decide di raccontare non l’eroismo, ma le sue conseguenze.
Lo spettatore non è invitato a osservare il dolore da lontano, ma a conviverci. Fuoco e Cenere chiede attenzione, apertura, disponibilità emotiva. È un film che non cerca l’applauso immediato, ma una partecipazione più profonda, una connessione, simile a quel legame neurale che i Na’vi chiamano Tsaheylu. Ed è proprio per questo che lascia un segno più duraturo rispetto a molti kolossal contemporanei.
Le fiamme come verità
«Questa è l’unica cosa pura in questo mondo», dice Varang, riferendosi al fuoco. «Il fuoco è venuto dalla montagna. Ha bruciato la nostra foresta. Il mio popolo ha implorato un aiuto, ma Eywa non è arrivata».
In Avatar: Fuoco e Cenere, il fuoco non è solo un elemento naturale o distruttivo: è una dichiarazione teologica. È la prova dell’assenza di Dio, o almeno del suo silenzio. È l’atto che spezza la fede e genera una nuova visione del mondo. Cameron introduce così, con una forza inedita per il cinema spettacolare, il tema dell’abbandono spirituale.
Se Avatar era il film della scoperta e La via dell’acqua quello dell’adattamento, Fuoco e Cenere è il capitolo della frattura. Jake Sully torna alla sua natura militare: strategia, comando, controllo. Il dolore diventa disciplina. Neytiri, invece, scivola in una zona moralmente pericolosa, dove l’odio verso gli umani – e verso Spider in particolare – prende il posto della fede in Eywa.
Cameron compie qui una delle scelte più radicali dell’intera saga: mostrare Neytiri (una dolente Zoe Saldana= come personaggio scomodo, persino respingente. Non più icona spirituale, ma figura tragica. Il film non la assolve, non la spiega fino in fondo, ma la espone. E in questo gesto c’è una maturità narrativa che raramente si vede nel cinema blockbuster contemporaneo.
I Sully non mollano mai. Restano uniti. Ma questa volta restano uniti anche nella sconfitta, nella vulnerabilità, nella consapevolezza che l’amore non basta sempre a salvare. Perché in questo terzo capitolo della saga possono coabitare, senza stonature, l’eco lontana del sacrificio di Isacco e il clangore un po' tamarro degli esoscheletri militari umani, mani metalliche che scricchiolano come in Aliens – Scontro finale. D’altronde, a guidare entrambi è sempre James Cameron.
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Lo’ak, il narratore imperfetto
Il passaggio di testimone generazionale diventa esplicito. È Lo’ak a raccontare, a osservare, a filtrare. Il figlio che si sente colpevole della morte del fratello diventa il centro emotivo del film. Cameron lo utilizza come specchio deformante di Jake: stesso impulso, stessa rabbia, ma senza l’illusione dell’eroismo.
Attraverso Lo’ak, Fuoco e Cenere riflette su cosa significhi crescere in un mondo in guerra permanente, su come l’eredità dei padri possa diventare una condanna più che un privilegio. È un arco narrativo meno spettacolare rispetto al passato, ma più umano, più fragile.
In Avatar: Fuoco e Cenere, terzo capitolo della saga cinematografica, James Cameron utilizza proprio questa fragilità generazionale per spingere il racconto oltre i confini del kolossal classico.
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Il Popolo della Cenere: Lucifero su Pandora
L’introduzione del clan dei Mangkwan – il Popolo della Cenere – è la svolta simbolica del film. Per la prima volta incontriamo Na’vi che hanno rinnegato Eywa. Non per corruzione, ma per disperazione. La loro terra è stata distrutta da un vulcano, la loro fede non ha offerto salvezza.
Varang, interpretata da una sublime Oona Chaplin, è molto più di una villain. È una figura luciferina, un angelo caduto che rifiuta la sottomissione e sceglie il fuoco come unica verità. Le sue parole fiammeggianti richiamano echi biblici: il sacrificio di Isacco trasfigurato, la ribellione contro un Dio che non risponde, la nascita di una fede alternativa fondata sulla distruzione come atto di sopravvivenza.
È un personaggio talmente denso e affascinante da meritare, da solo, un film dedicato. Uno standalone che esplori il dolore, la rabbia e la spiritualità spezzata del Popolo della Cenere.
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Quaritch, il nemico che non muore
Il ritorno di Miles Quaritch (uno Stephen Lang sempre più coriaceo e feroce), ormai definitivamente separato dalla sua origine umana, continua a essere uno degli elementi più controversi del ciclo Avatar. In Fuoco e Cenere, però, Cameron ne ricalibra la funzione: Quaritch non è più solo il volto del colonialismo armato, ma una figura ossessiva, prigioniera della propria identità replicata. Il suo legame con Spider diventa ancora più disturbante, perché introduce una zona grigia emotiva che il film sfrutta senza risolvere. Quaritch evolve, ma non redime. Cambia, ma non impara. È il nemico perfetto per una storia che rifiuta la catarsi facile e preferisce lasciare ferite aperte.
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Pandora Afterburn
Avatar: Fuoco e Cenere può essere immaginato come un cocktail chiamato Pandora Afterburn, costruito a strati e acceso in superficie, come un B-52. Alla base c’è il Curaçao Blu, brillante e seducente, che richiama l’estetica ipnotica di Pandora e la promessa di meraviglia visiva che accompagna la saga: è l’invito, la superficie luminosa.
Sopra si stratifica un rum scuro, denso e bruciante, che porta con sé il peso del lutto non elaborato e della memoria che non si lascia diluire. È l’ingrediente che altera l’equilibrio, che toglie dolcezza e introduce una nota amara, persistente.
Infine la superficie viene accesa. La fiamma non è un vezzo spettacolare, ma l’atto conclusivo: la rabbia che divampa, il dolore che smette di essere silenzioso e si trasforma in conflitto aperto. Pandora Afterburn non è un drink da sorseggiare con leggerezza, ma un’esperienza intensa, che scalda, brucia e lascia il segno. Proprio come il film.
Il mondo di Fuoco e Cenere è attraversato da immagini di una potenza quasi liturgica. Meduse giganti che si muovono come divinità primordiali, terapteron volanti che solcano cieli incandescenti, Tulkun marini – balene bibliche – simboli di morte e rinascita spirituale.
Cameron orchestra tutto in un crescendo che ha qualcosa di rossiniano: accumulo, ripetizione, esplosione. La spettacolarità non è mai fine a sé stessa, ma parte integrante di un discorso sul ciclo eterno di distruzione e rigenerazione.
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I Mercanti del Vento e la verticalità dello sguardo
Dal punto di vista visivo, Fuoco e Cenere è forse il film più composito della saga. Cameron non punta solo sulla meraviglia, ma sulla differenza. I Mercanti del Vento, clan nomade che vive sospeso nei cieli di Pandora, introducono una nuova grammatica spaziale: aria, altezza, precarietà. Le sequenze aeree non cercano l’estasi contemplativa de La via dell’acqua, ma una tensione costante. I corpi sono sempre in bilico, le strutture oscillano, il pericolo è verticale. È una Pandora meno accogliente, più instabile, che riflette lo stato emotivo dei personaggi. " Se ogni persona della terra potesse sopravvivere su Pandora senza maschera, allora per
Ancora una volta Cameron utilizza la tecnologia non come fine, ma come mezzo espressivo. Il motion capture, la fotografia iperdefinita, il 3D diventano strumenti per rendere visibile l’invisibile: il lutto, la rabbia, la paura. I volti Na’vi, mai così leggibili, mai così vulnerabili, sono il vero campo di battaglia del film.
È significativo che Fuoco e Cenere rinunci spesso alla pura contemplazione per privilegiare il ritmo dell’azione. Non perché Cameron abbia perso il gusto per il dettaglio, ma perché il film stesso è in fuga, incapace di fermarsi a respirare.
Pandora come metafora del mondo
Sotto la superficie spettacolare, Avatar: Fuoco e Cenere resta fedele alla vocazione metaforica della saga. Pandora è il nostro mondo dopo la catastrofe. Il Popolo della Cenere sono le popolazioni abbandonate, Jake è l’Occidente militarizzato, Neytiri è il dolore che diventa odio, Spider è l’identità sospesa.
Cameron non predica, ma accumula immagini e situazioni che risuonano con il presente: colonialismo, risorse, trauma collettivo, radicalizzazione. È un cinema che non pretende neutralità. Non a caso una delle battute chiave del film è pronunciata dal personaggio interpretato da Sam Worthington:
«E se ogni persona sulla Terra potesse sopravvivere su Pandora senza maschera, allora il popolo dei Na’vi scomparirebbe».
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Il cinema come unico tempio possibile
Lo hanno confermato a Milano, durante la conferenza stampa di Avatar: Fuoco e Cenere, i membri del cast – Sam Worthington, Stephen Lang, Bailey Bass, Trinity Jo-Li Bliss e Jack Champion: questo terzo capitolo, al pari dei precedenti, va vissuto al cinema. Solo la sala è in grado di restituire la potenza delle immagini e la forza di un 3D vibrante e ipnotico.
Non si tratta di una semplice cornice tecnica, ma dello spazio stesso dell’esperienza. Guardare Avatar: Fuoco e Cenere altrove equivale a un piccolo sacrilegio: come bere un Giulio Ferrari Riserva del Fondatore Magnum 2004 caldo, in un bicchierino di plastica. È vero, il film supera le tre ore di durata, ma scorrono leggere, come un viaggio nei cieli di Pandora a cavallo di un Ikran.
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Cenere alla cenere. Il fuoco come passaggio
Avatar: Fuoco e Cenere è forse il film meno “piacione” della saga, ma anche il più potente e perturbante. Non consola, non rassicura, non offre risposte semplici. È un film di passaggio, che sceglie una via più adulta e consapevole, portando la storia in un territorio nuovo. E il risultato è più gratificante: le immagini restano dentro, crescono dopo la visione.
James Cameron dimostra ancora una volta di non essere interessato a ripetersi. Pandora cambia perché i suoi personaggi cambiano. E il fuoco, questa volta, in Avatar: Fuoco e Cenere, non serve a illuminare: serve a bruciare ciò che resta.
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