Videogiochi, Falstein: IA un'opportunità, non sostituirà la creatività

Noah Falstein è un decano dei game designer, attivo dagli anni '80 e autore di pietre miliari della storia dei videogiochi. Ha lavorato alla Lucasfilm Games ed è stato tra i primi a sperimentare la contaminazione tra il genere ludico e quello cinematografico, due settori in cui sta imponendosi in maniera sempre più decisa l'Intelligenza artificiale. Dei rischi e delle opportunità di questa frontiera, e in generale del mondo dei videogames di ieri, oggi e domani, ci ha parlato in un'intervista esclusiva per Insider. Ha iniziato a lavorare professionalmente nello sviluppo di videogiochi nel 1980. Guardando al settore oggi, cosa la colpisce come il cambiamento più radicale e cosa, al contrario, è rimasto sorprendentemente immutato? Il cambiamento radicale più evidente è la portata dei videogiochi. Ho programmato il mio primo gioco per computer nel 1975 all’università. Gioco per computer, non videogioco, perché non utilizzava uno schermo, ma solo stampe su carta. Non mi era mai venuto in mente che creare giochi al computer potesse essere una professione, nemmeno quando mi sono laureato e ho ottenuto il mio primo lavoro nella creazione di giochi. Diverse persone – in particolare mia madre – mi avvertirono che «questa moda dei videogiochi» sarebbe svanita e che avrei fatto meglio a concentrarmi su un’altra carriera. Dieci anni dopo, quando lavoravo alla LucasArts e avevamo ottenuto alcuni dei nostri primi grandi successi finanziari, ne parlai al responsabile della Lucasfilm Licensing, il quale mi disse che l’intera nostra produzione di giochi fruttava meno della concessione in licenza dei pigiami di Star Wars. Fu demoralizzante, ma oggi l’industria dei giochi fa impallidire quella cinematografica ed essere uno sviluppatore di giochi è uno dei lavori più ambiti dai giovani. Ciò che però non è cambiato è che una percentuale enorme di chi lavora nell’industria dei videogiochi è stata attratta da questo settore proprio per l’amore verso i giochi. Il settore sta attraversando una delle sue periodiche fasi di recessione, forse la peggiore di sempre a seconda di come la si misuri, eppure c’è un numero enorme di persone che, nonostante tutto, cerca di entrare nel mondo dello sviluppo videoludico. Negli anni ’80, un designer doveva spesso inventare soluzioni perché la tecnologia non gli permetteva di realizzare ciò che aveva in mente. Oggi abbiamo l’opposto: disponiamo di una tecnologia che sembra consentire quasi tutto. È più facile o più difficile progettare giochi? Non credo che sia particolarmente più facile o più difficile progettare giochi, ma è certamente più facile realizzarli, soprattutto grazie a strumenti di gran lunga migliori. L’uso dell’intelligenza artificiale nella creazione dei giochi è controverso, ma ha indubbiamente permesso a chi non sa programmare di realizzare i propri giochi. Gli attuali motori di gioco e strumenti di sviluppo sono di gran lunga più potenti e spesso molto più facili da usare rispetto a quelli rudimentali che creavamo noi stessi 50 anni fa. Uno degli aspetti più affascinanti della creazione di giochi nei primi anni ’80 era che c’erano interi generi nuovi che aspettavano solo di essere scoperti, e noi semplicemente non sapevamo cosa fosse possibile realizzare. Era come esplorare un territorio inesplorato dove nessuno era mai stato prima. Ha lavorato in un’epoca in cui un piccolo gruppo poteva avere un’enorme influenza sul risultato finale. Oggi i team AAA possono essere composti da centinaia di persone. Cosa rischiamo di perdere quando la portata dello sviluppo cresce così tanto? Sono proprio gli enormi team AAA ad avere più difficoltà al momento. Quando si spendono centinaia di milioni per un singolo gioco, non ci si può permettere di sperimentare troppo. siamo ancora in una situazione in cui piccoli gruppi o persino singoli sviluppatori possono provare qualcosa di completamente nuovo e avere successo. Sono stato felicissimo del successo di Balatro, che è stato creato proprio come si facevano i giochi molti anni fa, senza puntare inizialmente a vendite enormi, ma semplicemente realizzando un gioco che il creatore riteneva divertente da giocare e da condividere con i propri amici. Quindi non credo che abbiamo perso quella creatività, è solo difficile farla riconoscere nel mondo. Trovo però di essere più felice quando lavoro con un piccolo team di base, composto da circa 5-20 persone, e idealmente in un unico luogo dove sia facile scambiarsi informazioni e collaborare per risolvere i problemi. Ci sono alcuni tipi di giochi che, per loro stessa natura, richiedono team molto grandi. Facevo parte del piccolo team dell’UCSF che ha sviluppato Neuroracer, un gioco volto a migliorare la capacità delle persone di guidare e leggere i segnali stradali contemporaneamente, che è apparso sulla copertina della rivista "Nature". Da lì è nato "EndeavorRx" di Akili Interactive, il primo gioco approvato dalla FDA per essere prescritto dai medici. Si tratta di un trattamento per l’ADHD pediatrico che ha dovuto essere testato su centinaia di giovani nel corso di diversi anni, e che ha quindi richiesto un budget pari a quello dei giochi AAA, sebbene solo una piccola parte dei fondi fosse dedicata allo sviluppo effettivo del gioco. Quindi, a volte, i giochi necessitano di grandi team quando vanno oltre i semplici obiettivi di intrattenimento. Con Hal Barwood ha vissuto uno scambio molto interessante ai tempi di "Indiana Jones and the Fate of Atlantis": lei gli ha insegnato il game design, lui ha portato il linguaggio del cinema nel gioco. Oggi videogiochi, film e serie TV sono sempre più intrecciati. Cosa pensa che i videogiochi possano ancora imparare dal cinema e cosa dovrebbe invece imparare il cinema dai videogiochi? Hal e io abbiamo davvero apprezzato la nostra collaborazione e in seguito abbiamo lavorato insieme ad altri progetti post-LucasArts, in particolare “The 400 Project”, in cui abbiamo raccolto e raggruppato regole e linee guida per una buona progettazione dei giochi; l’idea è nata da Hal perché la sua esperienza nell’industria cinematografica si basava su molti decenni di lavoro dei registi, che avevano scoperto cosa funziona e cosa no, mentre l’industria dei videogiochi era ancora agli albori. Tutte le forme d’arte narrativa condividono alcune regole comuni e ne hanno di proprie e uniche, ma l’interattività nei giochi le colloca in un contesto diverso e suggerisce che alcuni aspetti di una buona narrazione lineare siano in netto contrasto con i giochi. L’IA generativa è in grado di scrivere dialoghi, creare immagini, generare codice e persino contribuire alla progettazione dei giochi. Secondo lei, quale parte del lavoro di un designer l’IA riuscirà a sostituire per prima? E quale parte ritiene più difficile da automatizzare? Mi piace pensare che l’IA generativa non possa sostituire completamente nessuna di queste attività, ma può certamente essere utilizzata per potenziare e accelerare il lavoro di uno sviluppatore di videogiochi. Ho già scoperto che mi permette di fare a meno di un concept artist nelle fasi iniziali. Ho avuto il privilegio di lavorare con alcuni dei migliori concept artist sia nel settore dei videogiochi che in quello cinematografico, e nulla di ciò che fa l’IA si avvicina a quel livello; tuttavia, dato che le mie capacità artistiche sono molto scarse, trovo l’IA estremamente utile per generare rapidamente immagini preliminari, per poi collaborare con un artista di talento al fine di perfezionare e migliorare i concept e le immagini risultanti. Spesso alcune delle migliori innovazioni nascono dalla combinazione di due o più elementi che sembrano non andare d’accordo – che possono persino apparire in totale contrasto tra loro. Finora non ho riscontrato che l’IA sia in grado di farlo bene, perché se quella combinazione è davvero originale, allora servono l’intuizione e il giudizio umani per capire se si è sulla strada giusta per qualcosa di valido. Penso che questa sarà la parte più difficile da automatizzare. Secondo lei, il futuro sarà caratterizzato da giochi più generativi, o torneremo invece ad apprezzare esperienze molto più autoriali e dal design rigido? Entrambe le cose! Sul mercato ci sono innumerevoli tazze di ceramica grazie alla produzione di massa: sono comode ed economiche. Ma le mie preferite a casa sono fatte a mano, e mi va bene spendere di più per qualcosa di unico e che si adatti al meglio ai miei gusti personali. Credo che i giochi generativi prodotti in serie saranno sempre più disponibili, ma ci sarà un valore speciale anche nei giochi creati principalmente o esclusivamente attraverso la creatività e il lavoro umano. C’è il rischio che l’IA renda i videogiochi più grandi, più lunghi e “ricchi”, ma non necessariamente più divertenti? Penso che l’IA possa – e stia già – rendendo i giochi più economici e più facili da produrre. Ci sono alcune cose che l’IA attuale è in grado di fare e che rendono possibili aspetti dei giochi completamente nuovi, e alcune di queste cose, secondo la mia esperienza, sono piuttosto divertenti. Quindi, tra l’aumento della produzione di nuovi giochi e l’aggiunta della possibilità di alcuni nuovi tipi di giochi, penso che ci saranno più giochi divertenti sul mercato – ma potrebbero perdersi in una marea di giochi mediocri. Ironia della sorte, l’IA è anche piuttosto brava ad aiutare le persone a trovare giochi che si adattino alle loro preferenze individuali, quindi forse questo avrà l’effetto di aumentare la disponibilità di giochi divertenti. Ma il concetto di “divertimento” presenta alcuni aspetti molto soggettivi, e la velocità con cui l’IA sta migliorando rende più difficile che mai prevedere dove ci porterà il futuro, quindi sono ben lungi dall’essere sicuro di qualsiasi previsione specifica al riguardo. Tra le tecnologie attuali applicate ai videogiochi — realtà virtuale , realtà aumentata , intelligenza artificiale , cloud gaming e interfacce vocali — quale pensa sia sopravvalutata? E quale è sottovalutata? Circa 5 anni fa c’è stata un’enorme spinta ad applicare la blockchain e le criptovalute ai giochi, con ingenti somme di denaro spese alle conferenze di settore per sostenere che avrebbero rivoluzionato il settore e che cose come gli NFT avrebbero cambiato tutto – mentre tutti i miei amici game designer ed io pensavamo che fosse una sciocchezza, che non ci fossero quasi applicazioni per cui servissero se non per rendere più facile estorcere denaro con schemi piramidali. Le altre tecnologie che cita in questa domanda sono tutte più utili di quella, ma penso senza dubbio che l’IA stia già influenzando più giochi rispetto alle altre e continuerà a essere utilizzata sempre di più per crearli e consentire nuovi modi di giocare. Penso che i giochi in “realtà mista” acquisiranno maggiore rilevanza se la tecnologia per occhiali AR più avanzati e controlli biometrici diventerà più economica e leggera, in modo da adattarsi bene a dispositivi di dimensioni più ridotte. Ma anche in questo ambito l’IA sta già rendendo possibili funzionalità più coinvolgenti rispetto a quanto fosse fattibile solo pochi anni fa. Immaginiamo il videogioco del 2040: cosa sarà ancora riconoscibile come “videogioco” e cosa sarà completamente diverso? È davvero difficile da prevedere! Mi fa piacere che oggi il retrogaming significhi che i giochi che ho creato quasi 50 anni fa vengano ancora scoperti e giocati dalle persone, proprio come l’attuale disponibilità di musica online fa sì che i bambini crescano a contatto praticamente con tutta la musica creata nel corso della storia semplicemente chiedendo al proprio assistente domestico o all’auto di riprodurla. Ma i giochi nostalgici e riconoscibili saranno una piccola nicchia. Penso che l’impatto maggiore dei giochi nel 2040, che oggi sconvolgerebbe le persone, sarà il modo in cui saranno profondamente integrati con altri aspetti della nostra vita che non riguardano l’intrattenimento, come l’istruzione, la formazione e le cure mediche. I film di oggi non sembrano molto diversi da quelli di qualche decennio fa, ma qualcuno di quell’epoca rimarrebbe probabilmente più scioccato dal fatto che praticamente qualsiasi film possa essere riprodotto ovunque, su un dispositivo che la maggior parte degli adulti porta in tasca. Ha dedicato la sua carriera a cercare di capire perché le persone giocano. Dopo quarant’anni, pensi di aver finalmente trovato una risposta? Quando ho scritto il mio primo videogioco non mi interessava davvero sapere perché alle persone piacesse giocare: volevo solo creare cose con cui potessi giocare io stesso o da condividere con gli amici. È stato solo gradualmente, nel corso degli anni, che ho iniziato a interessarmi sempre di più al motivo per cui le persone giocano ai videogiochi o si dedicano a qualsiasi forma di gioco. Intorno al 2000 ho iniziato a intravedere i legami tra gioco, psicologia, evoluzione e apprendimento. Ho sviluppato delle teorie sul perché le persone giochino, e sono stato felice di constatare che Raph Koster, un mio amico che è anche un game designer, la pensava allo stesso modo, e abbiamo avuto diverse conversazioni stimolanti. Ho scritto il testo di presentazione in copertina della prima edizione del suo libro “A Theory of Fun for Game Design”. Le mie idee si basavano su un concetto che chiamo “Natural Funativity”, un riferimento sia alla teoria della selezione naturale di Darwin sia a una citazione di Steve Arnold, il mio capo alla Lucasfilm Games, che parlava scherzosamente di un “quoziente di Funativity” come modo per misurare quanto un gioco potesse essere divertente. Potrei dilungarmi a lungo sull’argomento, ma qui trovate uno dei miei primi articoli con ulteriori informazioni. In sostanza, credo che il gioco, e in realtà l’intrattenimento in generale, sia una sorta di modo sicuro per esercitarsi alla sopravvivenza. Lo sport, la narrazione in tutte le sue forme e i giochi si concentrano tutti sull’apprendimento di abilità e comportamenti che ci preparano a sopravvivere nella vita quotidiana, e noi proviamo piacere da ciò che ne ricaviamo – talvolta definito “divertimento” – perché i primi esseri umani a cui non piaceva giocare avevano meno probabilità di sopravvivere. Di conseguenza, ci siamo evoluti per trarre piacere dal gioco. Lo si può osservare non solo negli esseri umani o nei nostri parenti più stretti: tutti abbiamo visto cuccioli di cane che si esercitano nelle dinamiche del branco e gattini che imparano a cacciare e a balzare sulla preda. La maggior parte degli animali gioca soprattutto quando è giovane, ma gli esseri umani continuano ad apprendere anche in età adulta, poiché il nostro mondo cambia a una velocità sempre maggiore. Nel sintetizzare le regole di una buona progettazione dei giochi nel “Progetto 400” e nell’applicarvi le idee della “Natural Funativity”, sono convinto che questa sia una prospettiva legittima e utile per comprendere perché il gioco sia così importante per noi e perché molte delle tecniche che abbiamo appreso come progettisti di giochi siano preziose e applicabili ad altre discipline, in particolare quelle che riguardano l’apprendimento e la formazione. Spero di trovare il tempo per approfondire l’argomento, in modo da poter aiutare e ispirare gli altri a creare giochi più divertenti – e che abbiano un impatto positivo significativo che vada oltre il semplice intrattenimento.

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Cristian Paolini