Mainstream Overtures, versioni sinfoniche di Taylor Swift e The Weeknd tra pop e classica

Intervista a Giacomo Bucci 

Mainstream Overtures nasce dall’idea di riscrivere il pop in chiave orchestrale: quando ha capito che questo progetto poteva funzionare davvero come album e non solo come esperimento?

All’inizio era davvero un esperimento nato in aula, ancora più “artigianale” di quanto sembri. Creavo arrangiamenti per ensemble di percussioni, perché insegno strumento musicale all’Istituto Comprensivo di Vobarno: era un modo concreto per lavorare con gli studenti su qualcosa che li coinvolgesse, usando un linguaggio a loro familiare. Quindi niente orchestra all’inizio, ma percussioni, ritmo, energia e curiosità. L’idea era semplice: partire dal pop e vedere cosa succedeva smontandolo e ricostruendolo insieme. A un certo punto è scattata la scintilla dell’orchestra sinfonica e ho iniziato a immaginare quei brani non più solo come esercizi, ma come qualcosa di più ampio, con colori e dinamiche diverse. Il passaggio decisivo è stato quando ho iniziato ad ascoltarli non più solo come insegnante, ma come ascoltatore: lì ho capito che potevano crescere e diventare un vero progetto discografico.

Ha scelto brani iconici come Bad Guy o Blinding Lights: qual è stato il criterio nella selezione delle tracce e quanto conta la loro “traducibilità” in linguaggio sinfonico?

La scelta è stata un mix tra proposte degli studenti, gusti personali e uno sguardo alle classifiche di Spotify, per restare coerente con l’idea di “mainstream”. In classe arrivavano continuamente brani attuali, ed era naturale partire da lì: non volevo imporre un repertorio, ma costruirlo insieme. Allo stesso tempo facevo una selezione, chiedendomi quali pezzi potessero davvero reggere una trasformazione più ampia. Brani come Bad Guy o Blinding Lights funzionano perché hanno un’identità fortissima e una struttura solida: quando togli gli strati produttivi, restano in piedi. È proprio questa la “traducibilità”: se il brano continua a funzionare anche spogliato, allora ha una base forte su cui lavorare e può rivelare anche dettagli nuovi.

Nel passaggio da hit pop a overture orchestrale, cosa si perde e cosa si guadagna in termini di impatto emotivo e struttura musicale?

Si perde un po’ di immediatezza: il pop è costruito per arrivare subito, grazie al suono e alla voce in primo piano, mentre in un contesto orchestrale quella presa diretta si trasforma. Dall’altra parte si guadagna profondità e respiro, perché l’orchestra permette di sviluppare il materiale, lavorare sulle dinamiche e costruire un percorso più articolato. Cambia anche la percezione del tempo: ciò che nel pop è concentrato diventa più narrativo, non più “tutto subito”, ma “tutto nel tempo giusto”. A me interessa proprio questo: non colpire immediatamente, ma accompagnare l’ascoltatore dentro il brano.

Lavorando su artisti molto diversi tra loro, ha individuato un filo comune nel pop contemporaneo globale?

Sì, soprattutto nella cura dell’identità sonora: anche artisti molto diversi sono riconoscibili dopo pochi secondi, spesso ancora prima della voce. Non è solo una questione melodica, ma di “mondo sonoro”, fatto di timbri, atmosfere e scelte produttive coerenti. Ed è proprio questo che rende il pop interessante da rielaborare: se un brano ha una personalità forte, puoi trasformarlo, ma continuerà a farsi riconoscere. Quando succede, vuol dire che stai lavorando su qualcosa di solido.

Ha realizzato gli arrangiamenti attraverso librerie sinfoniche: quanto oggi la tecnologia è diventata parte integrante della scrittura orchestrale?

Tantissimo: ormai è parte integrante del processo creativo. Le librerie permettono di provare idee subito, ascoltarle e modificarle rapidamente, e questo cambia anche il modo di scrivere. Un tempo si immaginava tutto sulla carta, oggi si ha un’anteprima credibile già durante la composizione, con un vantaggio creativo evidente perché consente di sperimentare di più. Detto questo, l’orchestra reale resta un’altra cosa: lì entrano in gioco le persone e l’imprevedibilità del suono, ma arrivarci con un’idea già definita è un grande vantaggio.

Il suo background nella musica per immagini, anche con lavori come L’Uomo senza Gravità, quanto ha influenzato l’approccio narrativo di questo disco?

Molto: lavorare per il cinema ti abitua a pensare la musica come racconto, non solo come struttura. Questo approccio è presente anche qui, perché ogni brano è pensato come una piccola narrazione, non è un’idea musicale che si ripete ma un arco con uno sviluppo. Anche partendo da una hit pop, l’obiettivo non è solo arrangiare, ma costruire un percorso.

In brani già molto emotivi, come ha evitato l’effetto di semplice amplificazione?

Era il rischio principale: limitarsi a fare una versione più “grande” senza cambiare davvero il punto di vista. Ho cercato invece di lavorare sulla prospettiva, intervenendo sull’armonia o sul modo in cui l’emozione cresce nel tempo, spesso rendendola più graduale. In alcuni casi è come rallentare il processo emotivo, evitando il picco immediato per costruirlo con più respiro. L’idea non era spingere di più sull’emotività, ma trovare una lettura diversa, come osservare la stessa storia da un’altra angolazione.

Il titolo Mainstream Overtures suggerisce un ponte tra due mondi: ritiene che oggi il pubblico pop sia più pronto ad accogliere la complessità della musica orchestrale?

Sì, molto più di prima: oggi si ascolta di tutto con meno barriere tra generi. L’obiettivo è creare un ponte naturale, senza forzature, partendo da qualcosa di familiare e portando l’ascoltatore, quasi senza accorgersene, in un altro mondo sonoro. Spesso si scopre che quel mondo è più vicino di quanto si pensi.

Il progetto parte da Isernia ma arriva a una distribuzione internazionale: quanto è stato importante mantenere un’identità territoriale in un lavoro così globale?

Conta molto, perché è il punto di partenza umano e creativo. Il progetto nasce a Isernia e si sviluppa a Brescia, dove ha preso forma in modo più strutturato. Anche se poi arriva a una dimensione internazionale, queste radici restano fondamentali: danno un punto di vista personale, non standardizzato. Paradossalmente, è proprio questa specificità a renderlo più universale.

Guardando al futuro, immagina questo progetto come un punto di arrivo o come l’inizio di una nuova direzione artistica?

Decisamente un inizio: mi piacerebbe portare questo materiale su un’orchestra reale e vedere cosa succede quando il suono diventa fisico. Allo stesso tempo vorrei continuare a lavorare in contesti più ampi e sviluppare colonne sonore originali, dove questo approccio possa avere ancora più spazio. Più che chiudere un capitolo, ho la sensazione di averne appena aperto uno nuovo.

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