Daniil Simkin a Spoleto con Sons of Echo: “Sul palco combattiamo la mascolinità tossica”

“In un’epoca in cui la mascolinità tossica viene normalizzata, forse noi danzatori uomini possiamo combattere il narcisismo con cui gli uomini hanno abitato il palcoscenico e il mondo”. Nasce da qui Sons of Echo, il progetto ideato da Daniil Simkin andato in scena al Festival dei Due Mondi di Spoleto con la straordinaria partecipazione di Gregory Porter, che ha cantato sul palco dal vivo. Uno spettacolo che riprende il titolo dalla ninfa Echo, costretta al silenzio da Narciso, con sei stelle della danza internazionale. Tutti uomini che interpretano pezzi creati da sole donne, grandi coreografe come Lucinda Childs, Drew Jacoby, Tyler Peck e Anne Plamondon. Abbiamo incontrato Daniil Simkin a Spoleto, dove ha ricevuto anche il premio “Una Finestra sui Due Mondi”. Di origini russe, primo ballerino dell’American Ballet Theatre, dal 2018 è entrato nello Staatsballet di Berlino. Nella sua lunga carriera ha danzato nei teatri più importanti di tutto il mondo. Nel 2021 ha fondato lo studio Simkin, una società di produzione dedicata a progetti indipendenti come appunto Sons of Echo. Sons of Echo è una riflessione sull'egocentrismo e il narcisismo maschile. Come è nato? L’idea è nata dal desiderio di creare una serata insieme ad alcuni dei miei migliori amici, che sono anche tra i migliori ballerini di danza al mondo. Volevo creare uno spettacolo che ci unisse, che mettesse insieme le nostre forze, che ci permettesse di danzare insieme e allo stesso tempo di condividere esperienze bellissime: viaggiare per il mondo, arrivare in luoghi come Spoleto e fare ciò che amiamo. Esibirci, fare arte insieme e creare qualcosa di speciale. Poi, dopo molte conversazioni, ho capito che il progetto aveva il potenziale per essere qualcosa di più profondo di una semplice serata di intrattenimento, pur sperando che resti anche questo. Una profondità e un messaggio da trasmettere. Quale? La profondità e il significato dello spettacolo derivano dal fatto che eseguiamo coreografie create esclusivamente da donne. In un certo senso, Echo è il simbolo della donna che crea. Storicamente, nel nostro mondo, lo sguardo femminile e le donne coreografe sono state sottorappresentate. Questo progetto vuole offrire un’opportunità alle donne di poter far sentire la loro voce. E a noi uomini di poter essere, in qualche modo, i loro figli. È un po’ anche un modo per mostrare quanto un uomo possa “mettersi in ascolto” di una donna e non soltanto imporsi? Sì assolutamente. Credo che negli ultimi tempi si sia diffusa l'idea che quando gli uomini si riuniscono il risultato sia inevitabilmente qualcosa di negativo o di tossico. Io non penso che sia necessariamente così. Certo, può accadere, ma per capire cosa sia una mascolinità positiva e non tossica è essenziale entrare in dialogo con l'altra parte. E chi può rappresentare quest’altra parte? Echo, il principio creatore femminile. Ogni madre è una creatrice. Ogni donna ha il potenziale di creare. È fondamentale che noi sappiamo ascoltare e diventare un tramite per quella voce. Lo spettacolo si apre con una lezione di danza molto divertente tenuta dal maestro Tomas Karlborg in un’atmosfera molto diversa rispetto a tutto quello che poi porterete in scena. Come si combina questo inizio con il resto? Molti dei danzatori in scena sono miei amici ma sono anche per me una fonte d'ispirazione. E l'ispirazione nasce spesso dalla competizione amichevole, dallo stare insieme. Volevo che la serata mostrasse non soltanto noi come interpreti o strumenti dell'arte, ma anche come persone. E la lezione è sicuramente il momento in cui questo aspetto emerge con maggiore evidenza perché si possono vedere le personalità di ciascuno, quelle piccole energie che circolano tra i danzatori, il sostegno reciproco e quanto ciascuno di noi possa essere di ispirazione per l’altro. Di solito le lezioni si svolgono a porte chiuse. Qui, invece, tutto avviene davanti al pubblico. Se sbagli un passo o perdi l'equilibrio, cosa che fa parte del nostro allenamento quotidiano, bisogna rialzarsi e correggere ciò che non funziona. Un modo per mettersi a nudo anche psicologicamente. Il movimento, come diceva Martha Graham, non mente mai… Quando ci esibiamo puntiamo sempre al massimo livello della nostra espressione artistica, alla migliore definizione possibile di noi stessi come artisti. In classe, invece, possiamo essere più rilassati, più autentici. È il luogo in cui affiniamo il nostro mestiere. Credo che questo lavoro condiviso sulla tecnica e sull'arte ci unisca e rafforzi il senso di comunità. Per tutti questi motivi mi sembrava un ottimo punto di partenza, perché avrebbe permesso al pubblico di vedere la trasformazione del danzatore da persona ad artista. Dopo la lezione, quando inizia lo spettacolo, diventiamo “semplicemente” interpreti sul palcoscenico. Gran finale con Gregory Porter che si esibisce dal vivo. Come cambia l’energia che circola tra voi? Era la prima volta che danzavamo con Gregory Porter che cantava dal vivo ed è stata un'esperienza fantastica. Lui porta un'energia in più ed è un grande privilegio poter condividere il palco con lui, anche se per un periodo relativamente breve. Gregory è una grande fonte d'ispirazione e un caro amico. Penso sia bellissimo unire arti diverse e creare qualcosa che sia più grande del semplice “mettere insieme”. Si tratta di unire, ancora una volta, mondi diversi. E in fondo questo è il senso del Festival dei Due Mondi.

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Daniil Simkin a Spoleto con Sons of Echo: “Sul palco combattiamo la mascolinità tossica”

Chiara Ribichini