Scala, nel Paese delle Meraviglie di Wheeldon: “Alice libera e coraggiosa. Una femminista”

C’è Bianconiglio, la Regina di Cuori, il Cappellaio Matto, lo Stregatto. C’è tutto il mondo fantastico immaginato nel romanzo di Lewis Carroll in Alice’s Adventures in Wonderland, il balletto creato da Christopher Wheeeldon che è arrivato per la prima volta in Italia al Teatro alla Scala dove è in scena fino al 30 maggio. Un balletto creato 15 anni fa per il Royal Ballet di Londra su musiche originali di Joby Talbot. Una coreografia che è una vera e propria avventura sia per i protagonisti che per il pubblico. Abbiamo incontrato il coreografo prima del debutto. Ha definito il Paese delle Meraviglie come qualcosa da vivere più che da spiegare. Cosa significa? Alice è un balletto che ho creato per unire teatro, musical e danza classica. Per offrire un’esperienza agli spettatori, a chi ama il balletto ma anche a chi è completamente estraneo a questo mondo, a chi magari porta i propri figli a vedere un balletto per la prima volta. L’ho immaginato come un modo per avvicinare chiunque a una forma d’arte meravigliosa e allo stesso tempo molto complessa che contiene tante sfaccettature diverse: l’astratto, i classici del XIX secolo, i nuovi classici. È stata per me una bella opportunità per creare qualcosa che desse l’impressione di spalancare le porte e far entrare dentro il pubblico. Perché per la commissione del Royal Ballett, nel 2011, scelse proprio di creare un balletto su Alice? È una storia a cui sono molto legato. Quando ero bambino avevo molta paura del buio, per aiutarmi i miei genitori mi facevano ascoltare una musicassetta con un attore che leggeva proprio Le avventure di Alice nel Paese delle Meraviglie. Ero anche molto legato a una riproduzione di un piccolo teatro vittoriano che mi aveva regalato mio padre. Quando ho immaginato questa produzione ho chiesto allo scenografo, Bob Crowley, di poter in qualche modo attingere a questo mio ricordo personale di infanzia e di restituirlo. Cosa aggiunge la danza al romanzo o alle trasposizioni cinematografiche? Ho cercato di rimanere piuttosto fedele al romanzo originale. Certo, c’è il meraviglioso film di Tim Burton e, naturalmente, il celebre cartone Disney, oltre a molte altre interpretazioni di Alice nel Paese delle Meraviglie. Io ho scelto di restare il più possibile fedele al libro con qualche piccolo adattamento: Alice è un po’ più grande, ha una piccola storia d’amore con il Fante di Cuori. Fondamentalmente però seguiamo la trama originale. La sfida era trovare un nuovo look per la nostra Alice perché, nell’immaginario comune, è fortemente associata alle illustrazioni originali di John Tenniel e al cartone Disney. Ci siamo divertiti moltissimo a esplorare questo mondo vittoriano che in realtà è molto contemporaneo e dinamico. Così, utilizzando la tecnologia di oggi ma conservando la magia “all’antica”, abbiamo costruito e dipinto scenografie che creano un’esperienza coinvolgente sia per il pubblico sia per i danzatori. Vediamo anche Lewis Carroll proprio sul palco. Sarà lui poi a trasformarsi in Bianconiglio in un gioco tra realtà e mondo fantastico… Ho cercato di far convivere mondo reale, contesto storico e tutta la magia che proviene proprio dalle pagine del romanzo. Lewis Carroll era un matematico, è stato un professore di Oxford e quindi nel suo libro si diverte con giochi di parole, problemi matematici… ci sono tanti elementi oltre ai personaggi che saltano letteralmente fuori dalle pagine. La mia sfida è stata cercare di alternare questi personaggi a situazioni più reali, riuscire a dare magia a una vita reale. Ne è nata una coreografia che è una sequenza di episodi in cui Alice a volte è protagonista, altre volte spettatrice. Quali sono le difficoltà per un danzatore nell’affrontare il Paese delle meraviglie? Penso che Alice sia un ruolo che inganna facilmente chi la guarda. Perché, quando lo vedi, pensi sia leggero e divertente. In realtà è un ruolo estremamente impegnativo. Quello che chiedo ai danzatori è di immergersi completamente nei personaggi e non è facile anche perché si tratta di personaggi irreali. È un balletto che richiede una grande teatralità. La tecnica e il lavoro che sono dietro l’interpretazione e lo studio proprio caratteriale sono molto complessi. La protagonista poi è presente in ogni singola scena perché deve guidare il pubblico in questo incredibile viaggio e, allo stesso tempo, trasformarsi. Non è facile stare sul palco senza una pausa per quasi tre ore. Nella sua coreografia ha mischiato vari stili. Il Cappellaio Matto, ad esempio, danza il tip-tap. Perché ha scelto di utilizzare diversi linguaggi? La diversificazione degli stili è qualcosa che ho scelto affascinato dalle opportunità che il testo, e poi la produzione, mi offrivano. Come dicevo c’è un alternarsi di episodi e di personaggi per cui avevo bisogno di dare una varietà di colori e quindi anche di stili al susseguirsi del racconto. Ho lavorato a stretto contatto anche con il compositore Joby Talbot proprio in questa direzione. Ho strizzato l’occhio al tip-tap ma anche ai musical di Broadway. E ha strizzato l’occhio anche a grandi coreografi del passato, nell’adagio della Regina di Cuori è evidente il riferimento all’Adagio della Rosa della Bella Addormentata… Ci sono due o tre riferimenti molto evidenti, è vero. Diciamo che ho citato tre coreografi che mi hanno ispirato quando ero ballerino, ma non svelerò i nomi. Ci provo io: Marius Petipa, Frederick Ashton, Kenneth MacMillan. Giusto? E ce ne è anche un quarto… ma non dirò più nulla! Cosa ci insegna Alice? Oh tante cose! È coraggiosa, molto audace, diretta, non ha alcuna paura di mostrarsi per quello che è ed è una ragazzina molto forte. In un momento storico in cui la società cerca sempre di più di creare ruoli importanti per le donne e metterle al centro, colpisce quanto questo balletto e questa storia — anche se non sono nate esplicitamente in chiave femminista — in realtà lo siano profondamente.

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Scala, nel Paese delle Meraviglie di Wheeldon: “Alice libera e coraggiosa. Una femminista”

Chiara Ribichini