Yayoi Kusama, storia e simbologia di un’outsider a pois

L’artista giapponese Yayoi Kusama è morta a 97 anni. Diventata famosa per le sue sculture e installazioni ricoperte di coloratissimi pois, e riconoscibile per la sua parrucca rosso vivo, ha dedicato la sua intera vita all’arte. "Ha continuato a dipingere fino agli ultimi giorni, senza mai posare il pennello", si legge nella nota diffusa dalla Fondazione che porta il suo nome. “Non riesco a immaginare come verrò classificata dopo la mia morte. È bello sentirsi un’outsider”, aveva detto. E forse è proprio da questa affermazione che vale la pena partire: da quella outsider che ha trasformato il suo mondo di pois in un universo infinito. Abbiamo analizzato il suo personaggio, attraverso le sue opere, con Paolo Linetti, storico e curatore d’arte specializzato in arte giapponese Kusama si è sempre definita “un’outsider”: è d’accordo? “Kusama voleva rapportarsi agli altri in maniera quasi eccessiva. Il 24 agosto 1969, per esempio, ha tenuto la famosa performance "Grand Orgy to Awaken the Dead" presso il giardino del MoMA di New York. Si trattò di una protesta, perché il mondo dell’Arte era troppo incentrato sugli autori morti e non su quelli vivi. E così, insieme ad altre persone che aveva reclutato, organizzò una protesta nel giardino: le otto persone coinvolte si spogliarono e abbracciarono le statue degli artisti morti. Il giorno seguente, la notizia e le foto della protesta artistica sono finite in prima pagina sul giornale Daily News”, racconta Linetti. “Per come l’ho sempre percepita io, però, era talmente assorbita dall’arte, che qualunque altra cosa nella vita - anche l’amore o la scelta di una famiglia - diventava accessoria. Per certi versi era un po’ come Katsushika Hokusai che finché non arrivava all’essenza delle forme, tutto il resta non contava”. Un “puntino” fuori dalle righe L’Arte come ribellione “Ha sempre avuto una propensione per l’Arte: dipingere le è sempre piaciuto fin da bambina. Sin da piccola aveva queste allucinazioni uditive e visive, ma ha portato avanti questa sua passione a tutti i costi. E nonostante l’opposizione dei suoi genitori, in particolare la madre, riuscì ad andare a studiare Arte a Kyoto. Studiare arte a Tokyo non era impossibile, ma è come nascere a Milano e andare a studiare Arte a Firenze, considerata la culla del Rinascimento. Per lei era fondamentale studiare lì. Lì studiò la pittura tradizionale giapponese, però molto velocemente capì che non era la sua grammatica. E quindi si creò il proprio linguaggio”, spiega Linetti. “Quando sin da piccoli si ha una passione e questa viene ostacolata, si possono fare due cose: lasciar perdere, perché non rispondiamo a delle aspettative, oppure trovare la propria via, senza essere sorretti però dai propri genitori e compromettendo un rapporto basato sulla sicurezza e sull’affettività. In Giappone, c’è una forte propensione verso l’uniformità. Si dice che fino ai 7 anni, i bambini giapponesi siano relativamente tranquilli. Dai 7 anni in poi, si devono uniformare: a scuola devono mettere l’uniforme e rispondere alle aspettative dei genitori e della scuola. Un proverbio giapponese recita: “Il chiodo che sporge di più, si prende la martellata peggiore”. È un invito a stare tra le righe. Quindi il fatto che Kusama abbia voluto studiare Arte, andando contro il giudizio dei genitori, per una donna giapponese dell’epoca, non è una cosa comune”, commenta Linetti. L’Arte come terapia “Sin da piccola aveva delle allucinazioni visive e uditive. Quei puntini che vedeva, quindi, non nascevano semplicemente da un suo studio artistico: era anche un modo per esorcizzare quello che provava. In alcune interviste, infatti, ha definito l’Arte una sorta di terapia. Sono convinto che lo sia stata. Era un modo per estroflettere l’interno: quello che vedeva e provava, voleva farlo provare e vedere anche agli altri”, commenta lo storico. “Nel 1977, decise di trasferirsi volontariamente in un ospedale psichiatrico in Giappone. Continuò a dipingere, ma sentiva che qualcosa nel mondo esterno non funzionava. Decise di rinchiudersi su sé stessa come una "chiocciolina" .. Si rinchiuse per dedicarsi all’arte e per fare terapia, ma era anche un modo per evolvere. Possiamo vederla come un bruco che si avvolse nel proprio bozzolo, per poi riuscire”, commenta Linetti. L’Arte come attivismo “Dobbiamo fare un passo indietro e pensare alla realtà con la lettura e con gli occhi del tempo. Oggi, mettersi nudi nel giardino di un museo senza permesso, è qualcosa a cui siamo abituati. Ma al tempo significava mettere a repentaglio la propria reputazione, rischiare anche l’incarcerazione, pur di trasmettere un messaggio. Specialmente nel mondo dell’Arte, dove le donne sono sempre svantaggiate rispetto agli uomini: quel “flash mob” che organizzò fu così potente da accendere un punto di riflessione”, analizza Linetti. Ossessioni e ripetitività Dentro i polka dots “Il discorso dei polka dots è, in qualche modo, quello della pluralizzazione: significava arrivare al punto che costituisce l’immagine. Nel suo universo, possiamo considerarlo come l’atomo che costituisce il tutto. I ritratti e i dipinti che realizzava con questi punti, da lontano sembravano definiti. Avvicinandoci, però, ci accorgiamo che sono costituiti da pieni e da vuoti è lo spazio stesso ad entrare fra questi punti”, spiega Linetti. Dentro l’infinito: la “Self/Obliteration” Yayoi Kusama definisce “Self/Obliteration” la sensazione di perdere il confine tra sé e l’altro attraverso la ripetizione ossessiva e la proliferazione di un unico motivo, ed esprime questo concetto nelle sue opere utilizzando vari mezzi espressivi. “Quando non le bastava più la pittura, ricorreva alla scultura e alle installazioni. Tra le opere più indicative, troviamo “Infinity Mirrored Room ”, le camere di specchi, e attraverso di questi crea delle pareti infinite. Ma anche lì, fra lo specchio e la parete c’è un limite: quindi è qualcosa che è unito e disunito. C’è sempre questo pieno e questo vuoto”, analizza Linetti. L’ossessione per la zucca La “Yellow Pumpkin” , installata sul molo dell'isola di Naoshima, è l'opera pubblica più iconica di Kusama. “Nell’iconografia giapponese, la zucca è qualcosa che ti accompagna durante un viaggio. Un tempo veniva riempita d’acqua e utilizzata come borraccia. In molti dipinti giapponesi, viene raffigurano un anziano che stappa una zucca e da lì fuoriesce un cavallo. E quindi è come se la zucca fosse un contenitore magico: qualcosa da cui esce la meraviglia. Lei non ha mai dichiarato il perché della scelta della zucca, però se accediamo alla simbologia giapponese, questi sono i due binari che possono aiutarci a comprenderla: il viaggio e la magia”, commenta lo storico. Kusama aveva detto: "Non riesco a immaginare come verrò classificata dopo la mia morte”. Secondo lei? “Secondo me è nata nel periodo migliore. Siamo tutti collegati e le sue opere sono state scoperte in tutto il mondo. La sua fama non si è diffusa attraverso una ramificazione classica . Con lei, anche il ragazzino che posta e condivide una fotografia molto “instagrammabile”, contribuisce a diffonderla nel mondo. E il nostro mondo premia l’artista che, per quanto folle anzi, forse se folle meglio ancora, riesce ad avere una coerenza evolutiva. E lei l’ha avuta, commenta Linetti. “Nel 1998 c’è stata la grande mostra a lei dedicata “Love Forever: Yayoi Kusama, 1958-1968” e poi, nel 2017, è arrivato il museo a Tokyo. Questo è importante perché, come abbiamo detto, il Giappone si è sempre mosso con cautela nei confronti di questi personaggi molto fuori dalle righe. Il fatto di avercela fatta è il lieto fine della storia: lei ha potuto vedere in vita quello che sarebbe stato il suo lascito, a differenza di tanti artisti considerati “folli”, che non hanno avuto la possibilità vedere realizzata la propria fama”, conclude Linetti.

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Francesca Torcasio