Dal prompt al palco: che ne sarà della musica nell’era dell’AI?

Sempre più spesso, ascoltando una canzone su Spotify o imbattendosi in un video musicale su YouTube, viene da chiedersi: chi c’è dietro? Un artista in carne ed ossa, o una voce sintetica? Domanda più che legittima, visto il successo di artisti come Eddie Dalton, ai primi posti delle classifiche Billboard in America, di band con centinaia di migliaia di ascoltatori mensili come i Velvet Sundown, o di progetti come Xania Monet, cantante artificiale da milioni di follower, dietro cui si cela una poetessa del Mississippi. Umani ma non troppo Sembrano umani, e cantano pure bene, ma in realtà sono creazioni artificiali, generate a partire da testi e prompt. Secondo alcune stime, fino al 40-45% della musica caricata ogni giorno su piattaforme di streaming come Deezer sarebbe generata con l’ausilio dell’intelligenza artificiale. Non si tratta quindi di una nicchia sperimentale, ma di una massa crescente di contenuti che convivono con quelli prodotti da artisti in carne e ossa. In un contesto simile, la distinzione tra umano e artificiale rischia di diventare in parte inutile. Se una traccia è coerente con il contesto e facilmente inseribile in una playlist, il fatto che sia stata prodotta da un algoritmo può passare inosservato. A presidiare il sempre più poroso confine fra vero e artificiale, sono, o dovrebbero essere, le piattaforme. Spotify, Deezer e simili agiscono sempre più come regolatori di fatto: non si limitano a distribuire contenuti, ma decidono cosa viene reso visibile, come viene classificato, quali brani vengono suggeriti agli utenti. L’introduzione di tag per indicare l’uso dell’AI nei crediti va nella direzione della trasparenza, ma resta spesso facoltativa. È anche possibile, del resto, che non a tutti interessi davvero sapere se dietro una melodia o un virtuosismo vocale ci sia dietro una persona o l’intelligenza artificiale. Normalizzazione culturale? In effetti, si avvertono i primi segnali di quella che potrebbe essere una progressiva normalizzazione culturale. A febbraio, ad esempio, gli organizzatori del festival We Make Future hanno dato vita a Saremo AI, un concorso ispirato a Sanremo in cui si sono esibiti artisti generati artificialmente. Il fatto che un modello così codificato e simbolico come il festival della canzone venga replicato con protagonisti sintetici dà da pensare: non si tratta più di capire se l’AI possa fare musica, ma di come questa musica si inserisca in pratiche culturali già esistenti. A questo si affiancano altri segnali, meno spettacolari ma indicativi. Il lancio di V, cantante digitale creata da Visa per promuovere le Olimpiadi di Milano-Cortina, fa capire come le figure artificiali potrebbero essere integrate in contesti istituzionali, con funzioni di rappresentazione e comunicazione. In questi casi, l’artista non è tanto un soggetto autonomo quanto una costruzione progettata per adattarsi a esigenze specifiche, modificabile nel tempo, priva dei vincoli tipici di un interprete umano. Parallelamente, si assiste a una ridefinizione del concetto stesso di autore. Progetti come Xania Monet della poetessa americana Telisha Nikki Jones, mostrano come la creatività possa spostarsi dal piano dell’esecuzione a quello della direzione. Jones ha in sostanza trasformato in musica, con l’ausilio di Suno, uno dei principali software di intelligenza artificiale per la creazione di canzoni e colonne sonore, le poesie da lei scritte in precedenza. Il suo caso dimostra come oggi, grazie alla tecnologia, il musicista non sia più necessariamente colui che sa cantare o suonare uno strumento. Piuttosto, diventa importante saper selezionare i testi, definire l’atmosfera, impostare i parametri entro cui la macchina genererà poi il risultato. L’intelligenza artificiale, dunque, non elimina l’intervento umano, ma lo riconfigura, spostandolo a monte del processo. Il dibattito Una trasformazione che non è priva di ambiguità, come si percepisce anche dalle discussioni sul forum Reddit. Da un lato, l’AI è vista come uno strumento che rende più accessibile la produzione musicale e amplia le possibilità creative; dall’altro, si diffonde la sensazione di una saturazione crescente - di un flusso continuo di tracce anonime, difficilmente distinguibili, spesso intercambiabili. Se una traccia si inserisce senza attriti in una playlist, se risponde alle aspettative dell’ascoltatore, l’origine del suono può diventare irrilevante. La richiesta di etichette chiare convive quindi con una pratica di ascolto che, spesso, prescinde da tali informazioni. Infine, c’è la questione della scala, dei volumi di musica generati, che è forse quella più difficile da definire. L’aumento esponenziale della musica prodotta artificialmente provoca effetti sia quantitativi che qualitativi. Da un lato, rende più intensa la competizione e più difficile l’emergere di singole voci; dall’altro, contribuisce a ridefinire le aspettative nei confronti della musica stessa. Quando l’offerta diventa virtualmente illimitata e immediatamente accessibile, il valore di ogni singolo brano tende a ridursi. Con esso, l’attenzione che gli viene dedicata. È qui che il fenomeno dei cantanti artificiali rivela la sua dimensione più profonda. Non si tratta, solo, di stabilire se una voce sia umana o sintetica, o di difendere una certa idea di autenticità. Si tratta piuttosto di interrogarsi su cosa la musica rappresenti oggi. Dal rock al punk, al grunge all’hip-hop, per lungo tempo è stata espressione di identità, appartenenza, un elemento capace di definire gruppi, generazioni, visioni del mondo. Oggi, sempre più spesso, è soltanto infrastruttura: accompagna, riempie, modula l’esperienza quotidiana. Quella che Brian Eno chiamava “musica per aeroporti”, e che oggi, con una parola buona per tutte le stagioni, per una serie televisiva, un video sui social, un post, potremmo definire semplicemente un “contenuto”. In un contesto simile, la distinzione tra umano e artificiale non scompare, ma perde parte della sua centralità. Non perché sia irrilevante in assoluto, ma perché entra in gioco all’interno di pratiche di ascolto che ne attenuano il peso. Il cantante artificiale non sostituisce semplicemente quello umano; occupa uno spazio che, in parte, era già predisposto ad accoglierlo. Se una canzone serve soprattutto a fare da sottofondo mentre si lavora, si guida o si scorre lo smartphone, l’identità di chi la esegue non è forse poi così importante.

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Federico Guerrini