Filipe Andrade: "In Rare Flavours tutto il mio amore per l'India"

Filipe Andrade è un talento naturale, un comunicatore nato, che per parlare usi una matita o le parole. Le sue figure sinuose e fluide sembrano muoversi melliflue sulla pagina, quasi sciogliendosi e fondendosi con gli sfondi. Portoghese, cresciuto nella periferia di Lisbona, studente di Belle arti e scultura che ha incontrato il fumetto quasi per una fortunata coincidenza imponendosi negli anni come uno degli autori più interessanti e originali del panorama internazionale, da anni ormai compone un sodalizio felice con lo scrittore indiano Ram V. E dopo “Le molte morti di Laila Starr” i due hanno da poco pubblicato “Rare Flavours”, un horror a sfondo culinario con protagonisti un demone divoratore di uomini con la passione della cucina e un giovane videomaker da lui ingaggiato per realizzare un documentario biografico-alimentare, che finirà per diventare suo discepolo. Un fumetto coltissimo e suggestivo, pubblicato in Italia da Edizioni BD, che Andrade ha presentato al Comicon Bergamo, dove lo abbiamo intervistato. “Rare Flavours” è una storia profondamente legata alla cultura indiana, scritta da uno sceneggiatore indiano. Come è stato per lei, che è portoghese, disegnarla? La cultura portoghese è molto legata a quella indiana come a quella africana, per via dell’Oceano Indiano. E visitare l’India è sempre stato un mio grande sogno, ho sempre amato molto quel Paese. Anche per via del legame storico che il Portogallo ha con Goa e nella periferia di Lisbona, dove sono cresciuto, ci sono tante persone che vengono da Goa. Per questo non è stato molto difficile, perché ero già stato in India, molti anni prima. Tra l’altro non è il primo fumetto ambientato in India e legato alla cultura indiana che realizza insieme a Ram V. Infatti. Era già successo con “Le molte morti di Laila Starr”... E quando ho capito che si trattava di un libro che parlava dell’India ho detto ‘sì, per favore, facciamolo’. È stato abbastanza naturale pur con le difficoltà che comporta il dover trattare un Paese culturalmente e culinariamente molto diverso, che conosco un po’ ma su cui ho dovuto lavorare per costruire un contorno realistico. È stato complesso disegnare tutte quelle ricette? Un po’, perché disegnare il cibo non è così semplice, spesso i disegni del cibo non fanno venire appetito e io volevo che il libro invece facesse venir voglia di mangiare, che fosse bello e suscitasse una curiosità sensoriale che andasse oltre la vista. Io stesso dovevo sentire fame di ciò che disegnavo. Mi sono ispirato un po’ ai disegni dello Studio Ghibli, di Hayao Miyazaki, che è bravissimo a disegnare il cibo, come fa per esempio nell’inizio de “La città incantata”, e un po’ alle illustrazioni delle riviste di cucina francesi degli anni ’60 e ’70. Tra l’altro non sono quei piatti standard che si trovano nei ristoranti etnici in Europa. Non c’è nemmeno un samosa, che in Portogallo è un cibo diffuso. Sì, però il dolce che c’è alla fine, il payasam, assomiglia molto al nostro riso dolce, che io conosco e che nelle mie zone si mangia fresco. E quando si parla di cibo, noi portoghesi mischiamo tanti sapori da tutto il mondo. Inoltre amo la storia, mi piace conoscere popoli diversi, sono curioso di quei contesti in cui non mi sento a mio agio al primo colpo. Si è trattato solo di unire tutte queste mie curiosità e mostrarle al lettore. Questa cosa del disegnare il cibo è stato l’aspetto più sfidante o ce ne sono stati altri? È stata una sfida perché la cultura indiana è molto complessa. In Europa abbiamo le nostre differenze peculiari, abbiamo delle sfumature, ma alla fine è un po’ la stessa cosa. Quando vai in India è come trovarsi su un altro pianeta, le città sono diverse, sono organizzate in maniera diversa, si mangia in modo diversa, l’architettura e l’urbanistica sono diversi, i valori e l’etica sono diversi. Così la più grande difficoltà per me è che non volevo si sentisse che ero un portoghese che disegnava l’India, volevo che sembrasse un libro che era ambientato in India e basta. E come ha lavorato sulle ricerche? Nel mondo ideale la storia sarebbe stata scritta per intera e io sarei andato in India per osservare tutto e poi disegnare, ma siccome il mondo ideale è sempre molto lontano, ho dovuto usare quello che già conoscevo, la mia curiosità e i consigli che Ram mi dava su piccoli dettagli sui personaggi e le usanze. Inoltre io amo disegnare in modo fluido e questo libro, un po’ più di Le molte morti di Layla Starr, mi ha obbligato a stare tanto davanti al computer a fare ricerche su corpi maschili e femminili, vestiti, automobili, mezzi di trasporto. Questo soprattutto per fino al secondo, terzo numero. Poi il libro ha preso una dinamica nuova, è stato più facile e immediato, perché quelle immagini mi erano entrate in testa. Non è la prima volta che collabora con Ram V, e non è stata nemmeno l’ultima visto che state collaborando anche ai New Gods. Come si trova con lui? È molto facile lavorarci perché anche lui disegna e anche io scrivo, quindi la nostra collaborazione è aperta, a volte modifichiamo anche alcune parti di dialogo e io sono altrettanto aperto sulle modifiche delle matite. E poi lui non dice come posizionare la camera, non dà indicazioni sulla regia, fa quasi un testo scorrevole e per me è facile entrare nel mood della storia. Lui abita a Londra, io in Portogallo, mi manda la sceneggiatura, la leggo, faccio le matite e ne parliamo al telefono, e se ho un dubbio o un’idea su una vignetta ne discutiamo. È un processo vivo, come se ci trovassimo insieme seduti in un bar a bere una birra o prendere un caffè. È un po’ come in una band musicale. Lei ha uno stile molto particolare, diverso da quello tipico dei comics americani. È stato difficile entrare in quel mercato col suo stile? Un po’ sì, all’inizio. Ero molto giovane, ho iniziato a fare questo lavoro a 20 anni, quando ancora studiavo scultura all’Accademia delle Belle Arti. Non avevo esperienza nel fumetto. Facevo le due cose insieme ed è così che ho capito che la questione autoriale per me era molto importante e che, allo stesso tempo, gli americani hanno un po’ il paraocchi. All’inizio ho avuto qualche difficoltà, poi “Capitan Marvel” ha cambiato tutto. In che senso? Lavoravo per la Marvel già da tre anni, godevo della fiducia della editor, della sceneggiatrice, di chi si sarebbe occupato dei colori. Erano tutte donne e mi sono trovato molto bene con loro: mi lasciavano grande libertà. Così ho iniziato a usare lo stile che mi piaceva, la regia che mi piaceva. Poi ci sono sempre stati un po’ di alti e bassi, a volte facevo qualcosa di troppo elastico e mi dicevano “ehi, siamo in America, non devi far vedere le cose così”. E allora io facevo inquadrature ancora più spinte, soprattutto con i personaggi femminili, perché loro hanno una visione molto pudica dal punto di vista sessuale ma estremamente aperta quando si tratta di violenza. E io giocavo con questo. Come si è formato il suo stile? Il fatto è che mi piacciono cose molto diverse, sono cresciuto con Dragon Ball e i cartoni di Nickelodeon, non con i fumetti. Queste sono state le mie ispirazioni. E poi amo l’arte in generale, non mi limito a leggere fumetti, non viaggio solo per lavoro, amo la vita, grande, bella e cerco di mettere tutto questo nel mio stile, perché deve piacermi quando lavoro. Sono un po’ edonista in questo, anche sul lavoro. Come ha iniziato a disegnare? Non è come iniziato, è che non ho mai smesso. Normalmente i bambini, a 4 o 5 anni, smettono di disegnare, scoprono altro, ma io non ho mai smesso. A 4 anni, al doposcola, mi siccome sapevano che disegnavo bene, mi chiesero di fare il cartellone della scuola. Era una responsabilità grande ma non la presi come un peso, più come una sfida. E sembra che questo modo di prendere la vita sia utile nel fumetto e nella vita. Per me è sempre stato così: trovare una sfida. Quali sono gli strumenti che usa di più? Non uso il digitale, se non per fare animazione o per la postproduzione. Devo sentire l’oggetto col tatto, sentire se è caldo o freddo, sentirne la consistenza. Il digitale fa troppo XXI secolo, una cosa con cui non mi sento il relazione. Quindi direi che uso soprattutto la matita e il carboncino. E quali sono gli artisti che l’hanno formata? Oscar Niemeyer, Hugo Pratt ma più per la sua biografia che per le sue opere, il suo libro “Il desiderio di essere inutile” per me è un faro. E posso citare anche uno scultore basco contemporaneo, Eduardo Chillida.

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Gabriele Lippi