Festa Cinema Roma, la recensione di Elsinore: la vita va in scena sfidando la morte

Londra, 1989. Ian Charleson è un attore scozzese di talento, conosciuto dal grande pubblico per Momenti di gloria, il film che lo ha reso celebre e la cui locandina campeggia anche nel suo camerino. Quel successo, legato a un personaggio lontano dalla sua esperienza personale, non basta però a soddisfare le sue ambizioni artistiche. Charleson vuole misurarsi con qualcosa di più grande, trovare un ruolo che gli permetta di dimostrare fino in fondo le proprie capacità. L’occasione arriva quando Daniel Day-Lewis abbandona la produzione di Amleto al National Theatre e il regista Richard Eyre, interpretato da Johnny Flynn, gli offre la parte.

Per un attore, interpretare il principe danese su quel palcoscenico è una delle opportunità più importanti che possano capitare. L’Oliver Theatre, la sala più grande del National, può accogliere circa 1.100 spettatori: oltre duemila occhi pronti a osservare ogni gesto, ogni esitazione, ogni sfumatura della voce. Non è soltanto una prova di bravura, ma una sfida che richiede una preparazione fisica e mentale enorme.

Charleson accetta proprio mentre la sua salute comincia a peggiorare a causa dell’AIDS. È questo il punto di partenza di Elsinore, il film di Simon Stone che trasforma una vicenda biografica in una riflessione sul rapporto tra talento, identità e mortalità.

Il suo protagonista non vuole essere ricordato soltanto per la malattia: desidera che il pubblico continui a vedere i personaggi che interpreta, non l’uomo che sta lentamente perdendo le forze.

Una distinzione destinata a diventare sempre più difficile da sostenere, ma che rivela fin dall’inizio la sua idea di teatro.

Il cuore di Elsinore è Andrew Scott, che costruisce un Ian Charleson complesso, ironico, orgoglioso e progressivamente consumato dalla malattia. I suoi grandi occhi azzurri sembrano oscillare tra momenti di piena consapevolezza e istanti di smarrimento, come se il personaggio cercasse continuamente un punto fermo mentre il proprio corpo diventa sempre meno affidabile.

Un primo segno visibile è una macchia scura sul viso, particolarmente significativa per un attore, perché il volto è il suo strumento di lavoro e il principale veicolo della sua espressività. Con l’avanzare della malattia, il cambiamento fisico diventa più evidente, ma Scott evita di affidare tutto alla trasformazione esteriore.

La sua interpretazione vive soprattutto nella capacità di tenere insieme la vulnerabilità dell’uomo e la concentrazione dell’artista, il timore della fine e il desiderio di non rinunciare a ciò che lo definisce. Anche l’umorismo, con quella particolare inclinazione britannica per la battuta asciutta e il paradosso, contribuisce a evitare che il racconto si trasformi in un compianto continuo. Charleson conserva una vena sarcastica che non cancella il dolore, ma gli impedisce di occupare ogni spazio.

Il risultato è una prova che non cerca scorciatoie sentimentali e che trova la propria forza nei dettagli: una pausa, uno sguardo, un gesto trattenuto, la fatica di pronunciare una battuta senza perdere il controllo.

Non si racconta semplicemente un uomo che muore, ma un attore che continua a lavorare mentre la malattia tenta di ridefinirlo agli occhi degli altri.

Il rapporto con la dottoressa Margaret Johnson, interpretata da Olivia Colman, mette in scena uno dei conflitti più interessanti del film. La dottoressa conosce la gravità delle condizioni di Charleson e sa quanto possa essere rischioso affrontare una produzione impegnativa come Amleto.

Lui, invece, è deciso a non rinunciare al ruolo, anche quando le cure e il peggioramento fisico sembrano suggerire il contrario. Il loro confronto assume spesso i toni di un braccio di ferro, con la dottoressa impegnata a convincerlo a concentrarsi sulla sopravvivenza e l’attore determinato a difendere il proprio diritto di scegliere come impiegare le energie che gli restano.

«Sto morendo o no?»: la domanda che Charleson le rivolge sembra contenere, in una battuta, tutta l’ironia tragica della situazione. Per chi deve interpretare Amleto, la morte non può essere semplicemente espulsa dal discorso, perché è già inscritta nel testo, nei pensieri del personaggio e nella realtà di chi lo porta in scena. La dottoressa gli chiede di non parlarne più, di concentrare l’attenzione sulla cura e sulla possibilità di sopravvivere; ma come può farlo un uomo che ogni sera deve pronunciare parole sull’esistenza, sul tempo e sulla fine?

Colman evita di trasformare Johnson nell’antagonista che ostacola la vocazione del protagonista. La sua preoccupazione è autentica e proprio per questo il conflitto funziona: non c’è una soluzione semplice tra il dovere di proteggere il paziente e il rispetto per la sua autonomia.

La scelta di Charleson  non è soltanto una sfida alla medicina: è una scommessa con la vita, il tentativo di conservare uno spazio decisionale in una condizione che sembra sottrargli progressivamente ogni controllo.

La vicenda personale di Charleson acquista una dimensione più ampia quando Elsinore affronta il contesto sociale in cui si svolge. Alla fine degli anni Ottanta, l’AIDS non è soltanto una diagnosi devastante, ma anche una condizione accompagnata da paura, pregiudizi e discriminazione, soprattutto nei confronti della comunità gay.

Il film non perde di vista questo scenario e lo racconta anche attraverso dettagli che restituiscono la vita di quella comunità. Tra questi compaiono le Suore della Perpetua Indulgenza, le Sisters of Perpetual Indulgence, un gruppo realmente esistente che utilizza abiti e paramenti religiosi caricaturali per provocare, sensibilizzare e promuovere la prevenzione, anche attraverso la distribuzione di preservativi.

Ma il passaggio più doloroso resta quello in cui Ian deve rivelare ai genitori anziani di avere l’AIDS. La confessione avviene in ospedale, dopo una crisi che ha reso impossibile continuare a nascondere la verità. Il senso di colpa lo travolge: Charleson si scusa, piange e arriva a prendersi a schiaffi, incapace di sostenere il peso di ciò che sta comunicando alle persone che ama. È una scena che sposta il racconto dal palcoscenico alla dimensione più intima, mostrando quanto la libertà di vivere apertamente la propria identità possa diventare difficile quando è accompagnata dalla paura di ferire gli altri.

In questo passaggio il film richiama, per tema e intensità, Philadelphia di Jonathan Demme, con l'indimenticabile interpretazione di Tom Hanks, che ha portato sul grande schermo la discriminazione legata all’AIDS. Sono opere diverse per ambientazione e linguaggio, ma accomunate dalla necessità di restituire dignità alle persone oltre lo stigma. 

La frase che Ian rivolge alla dottoressa Johnson, «Non mi interessa solo la vita, ma il suo splendore», riassume il senso più profondo della sua battaglia. 

Il teatro, in questo senso, non è una fuga dalla realtà né un modo per negare la malattia: è il luogo in cui può ancora riconoscersi, lavorare, creare e condividere qualcosa con gli altri.

La musica, la recitazione e la dimensione collettiva dell’arte diventano presenze capaci di modificare, almeno per un momento, il rapporto con il dolore. Il film mostra questa possibilità anche attraverso l'improvvisazione di un musical in reparto, una parentesi che richiama l'energia del West End e la capacità dello spettacolo di trasformare uno spazio quotidiano in un luogo di partecipazione.

La dottoressa, a un certo punto, accetta di dimetterlo per permettergli di tornare sul palcoscenico. È una decisione che non cancella i rischi, ma riconosce quanto sia importante per il paziente poter scegliere. La battuta "Meglio morire di Amleto che di AIDS", pronunciata con il tipico black humor del personaggio, contiene insieme provocazione e disperata lucidità. Charleson sa che il teatro non fermerà la malattia, ma rifiuta che l'ultima parte della sua vita sia definita soltanto da essa. Il suo desiderio non è quello di essere celebrato come un eroe, bensì di continuare a esercitare il proprio mestiere. 

La bellezza, suggerisce il film, non consiste nell'ignorare la fine, ma nel continuare a riconoscere ciò che rende prezioso il tempo che rimane.

Il titolo del film non è soltanto un riferimento al castello danese in cui Shakespeare ambienta Amleto. Elsinore è anche uno spazio simbolico nel quale il destino del personaggio teatrale e quello dell'attore finiscono per rispecchiarsi. Il collegamento emerge persino in un dettaglio apparentemente secondario: una moto da cross esposta in un negozio di automobili, sulla quale compare proprio la scritta Elsinore. L'oggetto sembra anticipare, quasi per caso, il nome che darà un senso ulteriore alla vicenda, come se il teatro fosse destinato a entrare nella vita di Charleson ben prima che lui possa comprenderne fino in fondo le conseguenze.

Shakespeare accompagna così il racconto non soltanto attraverso le prove e le rappresentazioni, ma come una presenza che dà forma alle domande del protagonista. "Essere o non essere" non è più soltanto il celebre interrogativo di Amleto: diventa il confronto con una vita che si restringe e con la necessità di decidere come abitarla. 

In una scena significativa un amico di Ian gli dona un fiore duro, spinoso, difficile da dimenticare: un'immagine che richiama il cardo, pianta capace di resistere in condizioni ostili, e che diventa una metafora discreta della tenacia del protagonista.

La sua forza non è quella di un eroe invulnerabile, ma di un uomo che conserva una propria identità anche quando tutto sembra minacciarla. Il rapporto con la dottoressa, gli amici e la compagnia teatrale aggiunge a questa dimensione simbolica una rete di legami concreti, mentre la malattia continua ad avanzare. Simon Stone costruisce così un racconto in cui i segni del destino non sono mai del tutto separati dalle scelte individuali.

Il castello di Shakespeare diventa il luogo mentale in cui Charleson incontra le proprie paure, ma anche quello in cui può trasformarle in interpretazione.

La relazione tra finzione e realtà è potente proprio perché non cancella la differenza tra le due: l'attore non diventa Amleto, ma trova nel principe un linguaggio per affrontare ciò che gli sta accadendo.

Il finale di Elsinore è il momento in cui il film raggiunge la sua intensità più alta. La malattia ha ormai consumato il corpo di Charleson, ma sul palcoscenico l'attore trova ancora la forza di sostenere la propria interpretazione.

La voce deve arrivare fino alle ultime file dell'Oliver Theatre, raggiungere ogni spettatore e superare la distanza fisica che separa chi recita da chi ascolta. È una necessità tecnica che assume un valore simbolico: anche quando le energie diminuiscono, il suo lavoro deve continuare a esistere al di là del corpo che lo rende possibile.

Andrew Scott restituisce questa tensione con una prova che trova nel controllo, più che nell'enfasi, la propria potenza. Il momento di «Essere o non essere» diventa così molto più di una celebre pagina teatrale. È una riflessione sulla vita pronunciata da un uomo che conosce la propria condizione e che, proprio per questo, sembra restituire alle parole di Shakespeare una verità nuova. L'emozione nasce dalla consapevolezza che non si sta assistendo soltanto alla rappresentazione di una tragedia, ma all'incontro tra un testo universale e l'esperienza concreta di chi lo interpreta. Quando arriva «Il resto è silenzio», il significato della battuta non ha bisogno di ulteriori spiegazioni.

La storia reale di Charleson rende ancora più dolorosa questa conclusione: l'attore interpretò Amleto al National Theatre per ventiquattro rappresentazioni e morì sette settimane dopo la fine della produzione. Il successo ottenuto sul palco non fu una vittoria sulla malattia, ma la conferma della sua capacità di continuare a lavorare e a comunicare con il pubblico fino alla fine.

Elsinore, presentato alla Festa del Cinema di Roma nella sezione Grand Public, arriva nelle sale italiane il 24 dicembre 2026, distribuito da Lucky Red. Il film ha inoltre ricevuto l'International People's Choice Award al Toronto International Film Festival, riconoscimento del pubblico che si aggiunge all'attenzione suscitata dalla prova di Scott.

La forza di Elsinore sta nel ricordarci che l'arte non elimina la fragilità umana, ma può trasformarla in un'esperienza condivisa, capace di lasciare una traccia anche quando, sul palcoscenico, tutto il resto diventa silenzio.