Scuola italiana, La pittura contemporanea e il suo spirito circolare

Compiere un’indagine sullo stato dell’Arte contemporanea è una sfida ardua e affascinate che impone, innanzitutto, la scelta di una prospettiva, ovvero il punto di vista in relazione al quale condurre ed approfondire la propria ricerca. Ne è ben consapevole il curatore e critico d’arte Gianluca Marziani che ha deciso di intraprendere questo formidabile viaggio artistico attraverso l’analisi della produzione pittorica figurativa. Per farlo ha scelto, non a caso, di esaminare il contesto italiano e di partire per questo da un luogo della cultura ben preciso, il museo Palazzo Merulana a Roma, che custodisce alcuni dei grandi capolavori dell’arte figurativa della prima metà del Novecento. Si tratta delle opere della Collezione Elena e Claudio Cerasi: novanta gioielli della Scuola Romana, nati dall’ingegno e dal talento di artisti come Giacomo Balla, Mario Sironi, Giorgio De Chirico, Antonio Donghi, Mario Mafai, Antonietta Raphaël e Giuseppe Capogrossi, solo per citarne alcuni. Il passo successivo è stato quello di individuare alcuni artisti figurativi contemporanei che, per i caratteri della propria poetica e produzione, potessero dialogare con le opere della Collezione sulla base di una specifica linea tematica, in un presente pluralista e dinamico dove la pittura contemporanea dialoga con il passato: idee artistiche, stili e linguaggi ritornano in forme nuove, creando, nella storia dell’arte, un movimento circolare. Il primo appuntamento, che si concluderà il 5 luglio, è con la mostra dell’artista palermitano Nicola Pucci secondo la linea tematica del Realismo magico. Gianluca Marziani, curatore della mostra Il progetto Scuola italiana è nato da una sua intuizione: ci racconta di che cosa si tratta? Siamo nelle sale della Collezione Cerasi ed è qui che parte il progetto Scuola italiana. È un progetto che ho immaginato negli ultimi anni come un vero e proprio dialogo tra quella che è la pittura italiana del primo ‘900 - e qui siamo in quella che è la collezione più importante, a Roma, nel rappresentare questa scena pittorica di artisti come Capogrossi, Campigli, Donghi, Casorati, De Chirico e, dall’altra parte, artisti contemporanei e artisti nati tra gli anni ’60 e gli anni ’80. Quindi, artisti di una generazione che si sta in questi anni musealizzando, che abbiamo portato qui dentro e porteremo nel tempo qui dentro, in un dialogo virtuoso con le opere della collezione. Il primo artista è Nicola Pucci, un artista palermitano che conosco da molti anni. Con lui è nato il primo dialogo con le opere che abbiamo scelto di far dialogare con i 20 quadri del progetto che Nicola ha preparato per Palazzo Merulana. Che cos’è Scuola italiana? È il tentativo di riflettere e ragionare sulla pittura italiana come valore, come valore iconografico che noi portiamo avanti consciamente e inconsciamente da secoli. Consideriamo tutta la nostra storia, quello che è stato il ‘300 umbro e l’arco dei grandi passaggi rinascimentali, barocchi, il ‘700, l’800, fino al ‘900 italiano delle avanguardie. Qui sono rappresentate molte figure chiave di quelle avanguardie della prima metà del ‘900. Scuola italiana è la volontà di immaginare che esista un valore di scuola, un valore iconografico, un valore estetico, tematico, concettuale. Tutto questo oggi ci porta a far dialogare opere che hanno 50, 60, 70 anni, 100 anni, con un artista che ha lavorato sul presente. Portando, però, quelle che sono le dimensioni di apertura delle opere del passato a creare una ulteriore risonanza, in questo caso con le opere che abbiamo aggiunto. Che allestimento avete scelto per la mostra? Il pubblico credo si possa anche molto divertire, questa è una mostra allestita in modo mimetico. Abbiamo utilizzato gli spazi di vuoto plausibile in cui poter inserire delle opere appositamente create per la mostra. Quindi, non abbiamo spostato nulla, non abbiamo toccato nulla dell’allestimento originario e abbiamo lavorato in modo interstiziale che proprio la capacità di saper entrare in quei piccoli vuoti che non sono dei buchi, ovviamente, ma sono quei vuoti di bianco, quelle pause – immaginiamole quasi come delle pause musicali – in cui noi creiamo un qualcosa che crea un dialogo. Questo dialogo oggi si sviluppa come delle assonanze che vedono animali che volano, cavalli che entrano dentro vagoni della metropolitana, cabine da spiaggia che diventano una sorta di tappeti volanti. Tutta una serie di immagini del nostro quotidiano, plausibili, esistenti, ma che soltanto la mente, quindi, in questo caso soltanto la pittura può rendere reali. Ancora una volta è quella capacità di rendere magico il realismo, la collezione è ricca di opere del Realismo Magico, pensiamo ad Antonio Donghi, a Felice Casorati, ai Bagni misteriosi di De Chirico e – nello specifico di questa prima tappa – si apre questa visione d’abbraccio con Nicola Pucci. Credo che tutto questo porti un valore sul presene ma, soprattutto, crei un valore di continuità nel tempo, dando anche alla Pittura quello che in un certo senso è il suo ruolo da sempre; di linguaggio centrale dell’immaginario, questo linguaggio che può inventare mondi e qui, ancora una volta, come solitamente fa la Pittura da sempre, si inventa nuove possibilità Come nasce la collaborazione con Luca Marziani? Ho avuto questa proposta da Gianluca Marziani, con cui lavoro da tanto tempo, perché tra noi c’è affiatamento. Lui mi conosce e sa anche come esattamente indirizzarmi in un dialogo di confronto. Mi ha proposto di dialogare in questo contesto bello, interessante, nel quale mi trovo insieme con dei miei maestri virtuali, che ho sempre visto da bambino, da ragazzo, quando ho avuto i primi approcci con la Pittura. Il Realismo magico è stata una delle esperienze visive, rispetto all’Arte, che più mi ha condizionato da bambino, che più mi regalava questa visione al di là della realtà e stimolava in me il senso del sogno e dell’immaginazione. Col dovuto rispetto verso questi maestri, ho cercato di creare una relazione, sia dal punto di vista estetico, sia dal punto di vista contenutistico. In alcuni casi ho creato proprio dei quadri ad hoc e per me realizzare questa mostra è stato un grande punto di arrivo. Il quadro che ho realizzato è la cabina magica, che ho messo accanto a De Chirico. Dico spesso che vivere a Palermo è un po’ vivere in una dimensione surreale. Camminando a Palermo in una piazza vidi una cabina, alla quale pensavo; perciò, qui c’è anche il mio concetto di desiderare qualcosa che poi si realizza. Ovviamente, nei quadri realizzo quello che voglio, perché compongo e scompongo elementi presi da contesti diversi e li faccio proprio rivivere in questo concetto di armonia, di energia che si crea fra i diversi elementi. Quindi, fotografai questa cabina e poi la realizzo, attuando quello che è in me il concetto di collage, cioè, creare una relazione tra elementi presi in diversi contesti. Così, faccio emergere dall’acqua un ragazzino che, con una scala, che va in direzione di questa cabina sospesa nell’aria, dove succede qualcosa di magico. Cosa rappresenta per lei l’animale? L’animale, per me, è una forma vivente che raccoglie degli elementi di saggezza, di quasi intelligenza, che rimanda a una dimensione che non conosciamo. Sono molto legato agli animali, perché avendo una campagna mi ricordo che stavo in mezzo ai polli, alle galline, ai tori, per cui con gli animali ho un rapporto naturale, al di là della comunicazione verbale, c’è una comunicazione emozionale che è fortissima, ho un rispetto enorme per gli animali. Essi vivono una vita semplice, senza tutte le impalcature che ci creiamo noi, egoiche, che non fanno altro che zavorrarci. Io vivo con un gallo e una gallina per una serie di motivi, che non sto qua a raccontare e, quindi, mentre dipingo il gallo mi sale sulla spalla e vedo quasi come se esso apprezzasse o contestasse il mio dipinto, c’è quasi un dialogo silenzioso, dal di là dell’affetto. C’è questo rimando a questo modo di vivere in maniera semplice, assolutamente in armonia con la vita, con la Natura.

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Sabrina Rappoli