Come il minimalismo elettronico ha reinventato la musica da film

Alcuni mesi fa proprio da queste pagine di Insider avevamo raccontato come nel corso dei decenni era mutata la struttura delle colonne sonore, passando dalle raccolte di pezzi di successo, agli score con una sola grande hit, fino al ricorso delle canzoni da catalogo - specialmente nelle serie tv. Negli ultimi vent’anni però sono cambiati anche i suoni delle colonne sonore, ma anche il ruolo all’interno di quell’opera d’arte totale che è il film. Lo spunto ci viene dato da una classifica fatta dal magazine digitale Crack che, avvalendosi della competenza di un ampio gruppo di critici, curatori e organizzatori di festival, ha presentato una lista delle più rilevanti colonne sonore del XXI secolo fino ad oggi, con risultati piuttosto sorprendenti. La texture sostituisce la melodia Se provate oggi a fischiettare il tema di un film recente, probabilmente farete un po’ di fatica. Le grandi linee melodiche e il lirismo orchestrale classico che hanno fatto la fortuna di compositori come Ennio Morricone o John Williams hanno ceduto il passo a vibrazioni di bassi profondi, droni minacciosi, ticchettii metallici e pulsazioni ipnotiche. Nel cinema di oggi, la musica non serve più per essere ricordata all'uscita dalla sala, ma per essere percepita a livello viscerale durante la visione. La texture sonora – ovvero la qualità materica, il timbro, la grana e la densità di un suono – ha sostituito il tradizionale primato della melodia. Invece di sviluppare un tema legato a un personaggio attraverso variazioni di note, i compositori moderni preferiscono scolpire un "paesaggio atmosferico". Una singola nota di sintetizzatore distorta, un riverbero infinito o un rumore industriale rallentato possono trasmettere angoscia, alienazione o meraviglia meglio di un'intera sezione di archi. Questo approccio si sposa perfettamente con il minimalismo: ecco quindi strutture ipnotiche, ripetizioni ossessive e micro-variazioni timbriche che tengono lo spettatore incollato allo schermo, lavorando sul suo sistema nervoso prima ancora che sulla sua memoria musicale. Nella già citata classifica di Crack Magazine emergono nelle prime posizioni colonne sonore come Under the skin di Mica Levi , Uncut Gems di Daniel Lopatin e molti score di horror - thrilling come Hereditary o Candyman realizzate spesso da nomi nuovi nel campo degli score. Questo avviene anche nel cinema italiano, specialmente con ambizioni più internazionali, come quello di Paolo Sorrentino e di Luca Guadagnino. Il regista napoletano nel suo La grazia accompagna le scene più simboliche del film con la techno dell’olandese KI/KI e del duo parigino Il Est Vilaine, mentre Luca Guadagnino da tempo collabora con Trent Reznor & Atticus Ross. I motivi del cambiamento Questo profondo cambio di paradigma non è avvenuto per caso, ma risponde a precise esigenze narrative, tecnologiche e industriali. Da una parte è ormai consolidata una fusione tra musica e sound design: con l’avvento di sistemi audio immersivi come Dolby Atmos, la linea di demarcazione tra gli effetti sonori e la colonna sonora si è dissolta e quindi la musica e rumore si integrano per non affollare lo spettro sonoro del film. Inoltre i registi contemporanei preferiscono che la musica evochi lo stato interiore, spesso distorto o claustrofobico, dei personaggi, evitando così l'effetto "melodramma" in cui la colonna sonora dice esplicitamente al pubblico cosa deve provare minuto per minuto. Ma poi ci sono delle motivazioni tipicamente produttive e industriali. Da un lato il compositore non lavora più al pianoforte con carta e matita per poi consegnare la partitura a un'orchestra, ma oggi realizza tutto attraverso una Digital Audio Workstation come Logic Pro o Pro Tools, affiancata da sintetizzatori digitali e analogici, e anche le partiture per orchestra vengono campionate, destrutturate e spesso passate attraverso filtri elettronici. C’è poi da dire che le tempistiche sono sempre più ristrette: i compositori sono spesso coinvolti nelle fasi finali del processo di montaggio, affidandosi a "tracce provvisorie" - ovvero della musica segnaposto temporanea - il che si traduce in colonne sonore costruite per adattarsi a un tono imposto dallo studio. In altri casi c’è una collaborazione sempre più stretta tra regista e compositore che non passa attraverso la produzione. Cambiano i protagonisti In questa trasformazione sono cambiati anche i nomi dei compositori che oggi appartengono più ad avanguardie della musica elettronica piuttosto che da ambiti sinfonici come in passato. Primo fra tutti Hans Zimmer che possiamo considerare come il vero e proprio padrino di questa tendenza: con il suo team Remote Control Productions ha reso popolare la fusione di imponenti ottoni orchestrali con sintetizzatori aggressivi e percussioni pesanti, come si può ascoltare in film epici come Dune e Interstellar. Poi ci sono i già citati Trent Reznor & Atticus Ross provenienti dal rock industriale dei Nine Inch Nails, che hanno portato a Hollywood un'estetica cruda, fredda ed elettronica, dimostrando che l'ambient cupo può vincere l’Oscar. Poi c’è Hildur Guðnadóttir, maestra del minimalismo oscuro: per Chernobyl ha creato la colonna sonora campionando i suoni di una vera centrale nucleare dismessa mentre in Joker ha usato il violoncello in modo originale e claustrofobico. E infine la già citata Mica Levi, musicista di elettronica che con un approccio avanguardistico e destrutturato, usa microtonalità e loop di archi distorti per creare un senso di alienazione totale e profondo disagio. Per concludere, la colonna sonora contemporanea ha smesso di essere un commento esterno alle immagini. È diventata materia viva, un ambiente fisico in cui lo spettatore si immerge a 360 gradi, dimostrando che a volte un singolo tocco di sintetizzatore può raccontare l'inconscio di un personaggio meglio della melodia suonata da cento violini.

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Come il minimalismo elettronico ha reinventato la musica da film

Michele Boroni