Bruno Bozzetto: “L’animazione non è solo per i bambini”

Quasi 70 anni di cinema alle spalle, una lunga serie di corti, sette lungometraggi con una sola esclusione nel live action puro e – da qualche giorno – un David speciale per celebrare una carriera senza pari. Bruno Bozzetto è il decano dell’animazione italiana, anche se nella definizione sembra trovarcisi stretto. Perché lui, lo ripete più volte nel corso dell’intervista a Sky TG24 Insider, fa film: western, commedie, musicali. Che poi siano animati è una scelta narrativa, non una barriera. Quest’anno, tra l’altro, Bozzetto festeggia i 50 anni di “Allegro non troppo”, il Fantasia italiano, il suo progetto più ambizioso, il suo capolavoro. Ma anche quando ricorda il passato lo fa con lo sguardo rivolto al presente e al futuro, al prossimo progetto, alla prossima tecnologia da esplorare. Con i soliti occhi curiosi e luminosi con cui ha raccontato l’Italia a cavallo di due secoli. Ha da poco ricevuto il David alla carriera. Che significato ha per lei questo riconoscimento? Piuttosto importante, perché non mi arriva dal solito mondo dell'animazione, ma da quello del cinema. Noi siamo sempre stati un po' confinati in un ambito di cinema per bambini perché quando si parla di un nostro film, non si dice che è un film western o musicale, ma che è un film di animazione. Io vorrei che sotto “Vip – Mio fratello superuomo” scrivessero “una commedia brillante”, sotto “Allegro non troppo”, “un film musicale”, perché parlare di film di animazione è un po’ riduttivo, come scrivere sotto un film di un regista dal vero “film con attori”, non mi sembrerebbe molto logico. Questo premio datomi al David è un po' una conferma che si sta parlando dei miei film come di film normali, e questo direi che è importante non solo per me ma un po' per tutta la categoria. L'animazione è spesso stata vista come parente povera del cinema live action, se vogliamo. Oggi però sembra godere di una nuova attenzione, soprattutto a livello internazionale. Sicuramente, all'estero effettivamente ci sono produzioni che ormai si dedicano a film normali e questo mi fa molto piacere, però l'Italia in questo è ancora un po' legata all’idea che si tratti di film per bambini, soprattutto le serie televisive hanno degli orari di trasmissione legate ai più piccoli. Mi auguro che piano piano si cambi sempre di più. Cioè, facciamo anche film per bambini, per carità, è un lavoro bellissimo e non è neppure facile, però mi piacerebbe che fosse una scelta, invece Disney ha creato un mondo per bambini e questo è molto limitativo. Lei ha iniziato che aveva vent'anni, il più grande riferimento per un giovane che voleva approcciarsi alle animazioni di quell'epoca probabilmente era Walt Disney. Oggi quali sono invece, quali sono secondo lei le grandi ispirazioni per un giovane? Ce ne sono tantissimi. Diciamo che ultimamente ha preso molto piede, soprattutto per i giovani, l'animazione giapponese. Non parlo solo di Miyazaki ma anche delle prime trasmissioni che sono andate in Rai, da Capitan Harlock a tanti altri che hanno formato una generazione. Infatti oggi, quando dei ragazzi arrivano in studio a presentare i loro lavori, il 90-95% presenta disegni giapponesi, hanno veramente assorbito questo stile e questo può essere bello però è limitativo. Cioè apriamo a tutto il mondo, non limitiamoci al Giappone. Lei invece da chi è stato ispirato? Io, ai miei tempi, ho avuto un grandissimo input da John Lasseter. Lasseter ha rivoluzionato l'animazione in 3D che fino al suo arrivo si limitava a dare vita a degli oggetti metallici, delle sbarre. Il primo film semplicissimo di Lasseter, “Luxo Junior”, è stato il primo in cui si è vista l'anima entrare in un movimento di oggetti fatti in 3D. Lui è stato un grande riferimento. Poi anche nel 3D si sono un po' adeguati, i personaggi hanno cominciato ad assomigliarsi, non dico che siano tutti uguali ma si assomigliano. E soprattutto hanno incominciato ad avvicinarsi troppo al realismo, secondo me. Io considero l'animazione, anche quella in 3D, come una creazione di un mondo fantastico, quindi vedere che si avvicina troppo al realismo ha tolto un po' di questa magia. Spesso viene definito artigiano dell'animazione. Cosa significa per lei questa definizione? Significa lavorare in pochi ed essere più una famiglia che un'organizzazione industriale. Noi quando abbiamo fatto “Vip, mio fratello superuomo” e “West and Soda” eravamo in sei tra animatori e scenografi, poi c'era qualcuno per l'intercalazione, per la coloritura, ma erano lavori più meccanici. Nella parte creativa eravamo in pochi. E questo cosa significa? Avere un rapporto più diretto con le persone, essere tutti al corrente di ciò che si sta facendo, essere partecipi della creazione in maniera diversa. A me è capitato di fare film in cui ho lavorato in maniera un po' industriale e su 100 scene ho avuto 80 animatori: è chiaro che ogni animatore aveva fatto una o due scene, una scena e mezzo. Questo significa essere professionisti, lavorare bene e se si parla di serie può anche andare bene, ma quando si tratta di un film a me sembra molto importante che tutti siano al corrente di quello che sta succedendo in ogni scena, cosa c'è prima e cosa c'è dopo, lo spirito delle scene, lo spirito di quel brano. Tutto sommato sono ancora più legato a questo sistema che si può chiamare artigianale o di piccola produzione e sono un po' più pessimista quando si parla di lavori di serie industrializzati, tanto è vero che mi hanno fatto anche delle offerte per andare a lavorare in America ma tutto sommato ho girato attorno all'argomento e sono rimasto in Italia perché preferisco fare magari una cosa più piccola ma più sentita con tutti i collaboratori più vicini. Quest’anno ricorrono i 50 anni di “Allegro non troppo”, un progetto ambizioso e pionieristico. Cosa ricorda la lavorazione di quel film? È nato casualmente, come tutti i lavori nostri, non c'è stata una programmazione decisa, soprattutto all’inizio, verso un lavoro così ambizioso. Tutto è nato dal mio desiderio di realizzare solo un brano, il Bolero di Ravel. Io leggevo tutti i libri di Piero Angela e avevo visto un'illustrazione in uno di questi che mi aveva colpito. Spiegava che se dovessimo fare un diagramma, un disegno per rappresentare l'arrivo dell'uomo sulla Terra e la posizione sua in questo momento nel mondo, su un quadrante di dodici ore quello che rappresenta la nostra civiltà si vede negli ultimi due o tre secondi. Ascoltando il Bolero ero rimasto affascinato da questa musica che mi faceva pensare a una marcia di qualche essere vivente che, quando arrivi al finale, ha questa esplosione potente, completamente diversa da tutto il resto, che mi ha fatto immediatamente pensare al disegno di quell'orologio. Automaticamente ho pensato che poteva essere l'evoluzione del mondo che per miliardi di anni ha marciato ininterrottamente fino a che siamo arrivati noi con questa civiltà e c'è stata un'esplosione, un cambiamento, una distruzione se vogliamo, di tante cose. E poi? Ne ho parlato in studio, eravamo in sei e andavamo a mangiare la pizza tutti insieme, e uno incominciò a dire: “Ma perché non ne facciamo due? Perché non scegli altre musiche e ne facciamo altre?”. E così, tra una pizza e una birra, ho detto: “Sì, dai, proviamo a farne di più”. Sono tornato a casa e, visto che sono un grande appassionato di musica classica, ho ricominciato a sentirmi una, due, quattro, dieci, cinquanta volte i brani che mi piacevano di più per vedere se riuscivo a trarne delle storie. Uno di questi, sicuramente, era il Valzer Triste, che mi aveva sempre colpito ed è stato tutto sommato il più facile anche se racconta una storia vera, quella del gatto di mia moglie. Le altre le ho create ascoltandole e cercando di trovare delle storie, ma non è nato con l'idea di fare un lungometraggio solo dopo è diventato ambizioso e ce ne siamo forse accorti durante la lavorazione. L'idea di fare l'orchestra, per esempio, è venuta a Guido Manuli e Maurizio Nicchetti mentre venivano da Milano a Bergamo in automobile perché stavano facendo i sopralluoghi al teatro Donizetti, dove abbiamo girato la parte dal vero. Guido disse: “Ma visto che non abbiamo soldi e prendere un'orchestra vera è difficilissimo, perché non pigliamo delle signore anziane?”. Io ho chiamato parecchi amici che avevano la mamma, la zia, piuttosto anziane, loro sono state felicissime, si sono divertite un mondo a girare, erano tutti allegri, hanno fatto dei giorni diversi nella loro vita un po' spenta in quegli ultimi anni, e così è nata la parte dal vero, che è molto originale e in America non è stata apprezzata come in Italia. Ha citato Piero Angela, la vostra lunga collaborazione su Quark, che per lei ha rappresentato anche l'occasione di sfruttare la tecnica dell'animazione per fare divulgazione scientifica. Come è nata questa collaborazione? È nata da me. Come dicevo prima, leggevo i suoi libri e siccome lui scrive un po' in stile americano, con tanti esempi visivi e io ho la caratteristica di visualizzare molto facilmente quello che leggo, leggendo i suoi libri vedevo dei film. Siccome mi interessavano moltissimo gli argomenti di cui trattava, gli ho chiesto se potessimo fare qualcosa in animazione. Lui aveva visto “Allegro non troppo” e mi ha detto: “Mi piacerebbe molto, ma cosa facciamo? Illustriamo un libro? Nessuno andrebbe a vederlo… Però mi interessa, per cui alla prima occasione ci risentiamo”. Pochi mesi dopo mi ha richiamato dicendomi: “Bruno, mi hanno dato una rubrica che si chiama Quark, vorrei inserirci dei cortometraggi che parlino di scienza ma mi piacerebbe farlo in maniera leggera, divertente”. E io gli ho risposto: “Sono disponibilissimo, è quello che mi interessa”. Così mi ha chiesto di leggere un suo articolo per Repubblica, in cui spiegava come uno studioso che sta in casa tutto il giorno consumasse un sacco di energia, e mi ha chiesto di provare a fare uno storyboard. Io l’ho fatto, gliel’ho mandato e da quel momento non abbiamo mai avuto il minimo problema. Come lavoravate insieme? Lui mi mandava i testi, io li visualizzavo, glieli rimandavo, lui mi dava l'ok e così abbiamo fatto circa 100 film: 60 sono abbastanza lunghi, 40 sono più corti, erano dei mini Quark in cui si parlava di piccoli problemi come dare il cibo ai bambini, i problemi del fumo, c'erano tanti argomenti, toccate e fughe molto veloci. Mi sono trovato meravigliosamente con lui, è una persona fantastica, lavorare con lui è stata una gioia, un piacere. E, a proposito del discorso che facevamo prima, lui, che era una persona intelligente, non ha mai definito i miei film “di animazione”, li chiamava film “di divulgazione scientifica”. Aveva capito che ogni film ha un suo scopo. Prima citava la percezione che nel cinema italiano c'è dell'animazione, invece qual è la situazione proprio del settore di animazione in Italia a livello autoriale, a livello di sperimentazione, a livello di produzione? È sempre in difficoltà nel trovare una distribuzione, anche perché noi riusciamo a esprimerci meglio con i cortometraggi e quando un film dura 8 o 10 minuti ha una difficoltà maggiore a essere distribuito, non è un lungometraggio o una serie televisiva. Poi il cinema fa fatica ad accettare il nostro genere, quando uscivano film anche impegnativi li trasmettevano al pomeriggio, anche se era “Johan Padan” o “La gabbianella e il gatto”, e questo ci ha sempre penalizzato. Adesso si incomincia a sperare che questa mentalità stia cambiando, ma sta peggiorando la situazione del cinema in generale, oggi i film li vediamo in televisione più che al cinema, quindi adesso che potrebbe migliorare sta peggiorando la situazione generale. La tecnologia si è evoluta negli anni, diventando un aiuto per chi fa animazione e fornendo maggiori possibilità di scelta stilistica. Io sono un grande fautore di tutte le tecnologie nuove, ritengo che non dovremmo mai considerare una tecnologia come adatta a un certo tipo di racconto. Secondo me il cinema è cinema, io devo usare la tecnologia più adatta per esprimere quello che ho in mente. Non mi interessa se è 3D, se è disegno classico, se è dal vero. Nel ‘90 o ‘91, non ricordo esattamente, sono stato il primo nel mio studio a tornare a casa e fare un film col computer, mentre tutti mi prendevano in giro nello studio. Ho creato addirittura un genere con “Europa & Italia”, che è un film fatto con dei rettangoli e dei cerchi che poi è diventato uno stile che oggi usano in tantissimi; ho preso dei simboli e, utilizzando il computer, con due soli disegni ho fatto un film di otto minuti perché in quel momento mi sembrava divertente e utile raccontare una storia e non potevo che raccontarla in quella maniera. Poi, il giorno dopo magari faccio un film con attori, l’ho fatto, si chiama “Sotto il ristorante cinese”, perché quella storia andava raccontata dal vero. Le tecniche sono tante, ho provato anche a fare lo scatto 1, ma non sapevo qual era il fotogramma precedente, quindi era molto difficile, c’erano dei salti: oggi con le nuove tecnologie puoi sapere qual è il fotogramma precedente, c’è una perfezione assoluta. Lo stile cambia a seconda della necessità. Quando lei ha visto Jurassic Park, ha visto più che altro un film d'animazione. Quando vede Avatar, sta vedendo film d'animazione. La gente ormai non distingue più, ma va bene così. S E sull'intelligenza artificiale invece, che idea si è fatto? Non ho molto da dire perché non l'ho usata. I miei figli la usano un po'. Anche quello è uno strumento tecnologico fantastico. Sono molto curioso e interessato all'evoluzione, però penso che siamo sempre noi a doverla gestire. Se facessi un film con l'intelligenza artificiale, prima di tutto dovrei avere in mente esattamente cosa voglio, e se l'intelligenza artificiale riuscisse a farmelo fare, benissimo, altrimenti cambio: è lei che deve servire me, non io lei. Per ora, quando chiedo una cosa specifica non riesco a ottenerla come la ho in mente, quindi c'è ancora da lavorare. Di cosa diventerà dovremmo parlarne tra cinque anni. Mi piace chiudere l'intervista con il personaggio che in qualche modo ha segnato la continuità della sua carriera, dall'inizio fino ai giorni nostri: il Signor Rossi. Che rapporto ha con questo personaggio? Diciamo che è il più vicino di tutti, nel senso che me lo ritrovo tra le scatole in tante situazioni, ma non è che abbia un rapporto particolare con lui. Lo considero un po' un alter ego, bene o male sono io che mi trovo in una situazione e poi racconto delle storie che faccio interpretare da lui. Mio figlio Andrea sta realizzando 50 film che saranno dedicati al Signor Rossi alle prese con la vita moderna: l'intelligenza artificiale, la domotica, l'automobile automatica. Esteticamente può anche invecchiare, infatti un po' l'abbiamo modificato, ma il suo contenuto non invecchierà mai perché l'uomo comune esisterà sempre: uscire la mattina, andare nel parcheggio e non riuscire più a uscire perché si blocca la sbarra è un problema che abbiamo tutti. Tra l’altro è nato proprio da una sua esperienza. Sì, ecco perché parlo di alter ego: mandai un film a un festival, lo rifiutarono preferendo dei film che ritenevo più brutti e ho inventato il Signor Rossi per raccontare questa storia. Poi ho raccontato me stesso tante volte: quando andava a sciare ero io; quando andava al mare ero io. Quando ho incominciato ad allontanarmi dalle cose che avevo fatto, tipo con il safari fotografico, ho iniziato a usare i luoghi comuni. Però ecco, è un personaggio simpatico, è sempre vicino a me da qualche parte.

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Bruno Bozzetto: “L’animazione non è solo per i bambini”

Gabriele Lippi