Festival Valle d’Itria, Silvia Colasanti: “L’arte è una lente per leggere il presente”

Tre settimane tra opere, rarità, riscoperte, concerti e incontri. Dal 14 luglio al 2 agosto torna a Martina Franca il 52esimo Festival della Valle d’Itria. Un’edizione, presentata al Piccolo Teatro di Milano, che quest’anno sarà dedicata al Mediterraneo, culla del mito, crocevia di culture, mare che accoglie. Organizzato dalla Fondazione Paolo Grassi, il Festival è curato per il secondo anno dalla direttrice artistica e compositrice Silvia Colasanti che prosegue il percorso intrapreso nella precedente edizione: la musica riflette sul proprio presente e diviene strumento prezioso per leggere la realtà. Un impegno premiato recentemente anche con il prestigioso Premio della critica musicale italiana “Franco Abbiati“ che ha scelto Owen Wingrave, allestito nell’edizione passata, come “migliore iniziativa musicale” del 2025. Abbiamo incontrato Silvia Colasanti a margine della conferenza stampa. Ha scelto di dedicare questa edizione al tema del Mediterraneo, scenario di miti, luogo di migrazioni. Qual è il viaggio musicale del prossimo Festival? Il Mediterraneo è un tema che ha tante sfaccettature: c’è il mito, che è lo specchio della nostra identità ma anche un tema strettamente connesso con la storia dell'opera; il Mare Nostrum è allo stesso tempo un prezioso luogo di incontro tra culture diverse, luogo di accoglienza o scenario di destini drammatici. Tutte queste declinazioni saranno evocate questo attraverso un programma articolato che inizia con un dittico: Pulcinella di Igor Stravinskij / La favola di Orfeo di Alfredo Casella, due lavori in un atto unico che reinterpretano il mito e la tradizione classica in chiave novecentesca e che ci riportano alle radici della nostra cultura. Tre le nuove produzioni liriche, tra cui una prima esecuzione assoluta… Sì porteremo in scena la prima esecuzione mondiale della Carmen di Georges Bizet così come il compositore l’aveva pensata nel 1874. Sarà l’occasione per restituire al pubblico una versione mai rappresentata finora, grazie alla recente revisione critica di Paul Prévost per l’editore Bärenreiter. La partitura è quella originariamente predisposta da Bizet prima che i dirigenti dell’Opéra Comique di Parigi chiedessero importanti cambiamenti. Fabio Luisi, direttore musicale del Festival, guiderà l’Orchestra e il Coro del Teatro Petruzzelli di Bari e il Coro di voci bianche della Fondazione Paolo Grassi. Cos’ha di diverso questa versione rispetto alla Carmen a cui siamo abituati? In questa Carmen viene ripristinato l'uso frequente del mélodrame, cioè questa presenza di recitativi, di parti recitate che hanno sotto un prezioso tessuto orchestrale. Carmen ha avuto molte rivisitazioni, non da parte di Bizet ma da parte di chi è venuto dopo di lui. Bizet è morto pochi mesi dopo la prima e quindi gli interpreti hanno toccato questa partitura, noi andiamo invece a rispettare il pensiero del compositore. Un dittico, una Carmen mai vista e poi? E poi un'opera di un grande operista della scuola napoletana che è Francesco Provenzale. Porteremo in scena Il schiavo di sua moglie dramma per musica in un prologo e tre atti allestito per confermare l’attenzione verso la riscoperta e le rarità del repertorio barocco. Una prima esecuzione in tempi moderni grazie al lungo lavoro di ricerca su Provenzale di Antonio Florio, musicologo e direttore alla guida del complesso barocco, da lui fondato, Cappella Neapolitana. Alle tre produzioni liriche si affianca un altro progetto ispirato al tema del Mediterraneo che il Festival ha commissionato a Marco Baliani, scrittore, attore e regista dedito a un teatro di ricerca e impegno civile. E poi convegni e tanti concerti con un filo conduttore musicale legato al primo Novecento e al tema del neoclassicismo, cioè a quando il compositore si interroga sulla propria storia e riflette sul senso stesso della modernità musicale tra tradizione, storia, memoria ma anche ricerca e sperimentazione. A proposito del mito… la scorsa edizione della Biennale Danza aveva come tema gli artisti come “creatori di nuovi miti”. Si rivede in questa definizione e in questa idea del direttore Wayne McGregor? Il mito è una storia eterna, una storia che non è mai stata ma che ci riguarda ancora oggi e ci permette di avere una visione del futuro. Quindi sì assolutamente, gli artisti sono creatori di miti contemporanei perché l'artista quando lavora non lavora mai su una singola storia ma sull’universalità di quella stessa storia che deve diventare simbolo di un qualcosa che ci continuerà a riguardare sempre. Per lei è la seconda edizione come direttrice di un festival che ha più di 50 anni e che rappresenta un unicum in Europa. Cosa porta ancora con sé della sua prima edizione? Dalla mia prima esperienza sono uscita molto arricchita. Ho avuto la prova di ciò che pensavo da tempo e cioè che il pubblico ha desiderio di emozionarsi e di riflettere. Ho vinto la sfida di portare un programma non noto, non conosciuto, con autori anche più vicini a noi rispetto a quelli che si facevano nelle precedenti edizioni. E il pubblico ha reagito benissimo, commuovendosi e riflettendo, che è quello che l'arte deve fare. L’arte deve parlare dell’oggi perché l’uomo cerca nell’arte una guida, una lente per leggere il presente.

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Festival Valle d’Itria, Silvia Colasanti: “L’arte è una lente per leggere il presente”

Chiara Ribichini