Il progetto unisce il lirismo a soluzioni ritmiche moderne alternando standard riarrangiati a brani originali ricchi di suggestioni extramusicali. L'INTERVISTA
The Town Does Not Exist, il nuovo album di Mario Iannuzziello, è un viaggio intimo e multiforme attraverso la tradizione jazzistica e la composizione originale. Caratterizzato da una forte matrice stilistica che unisce il lirismo a soluzioni ritmiche moderne, il disco alterna standard riarrangiati a brani originali ricchi di suggestioni extramusicali. Ogni traccia rappresenta un tassello fondamentale di un dialogo continuo tra passato e presente, guidato da una sensibilità contemporanea, asciutta e profonda. L'opera si articola in otto brani distinti arricchiti da due alternate take, per un totale di dieci tracce che delineano un percorso compatto ed eterogeneo. All’interno della tracklist convivono due anime complementari: le composizioni originali firmate da Mario Iannuzziello e una ricercata rilettura di celebri standard jazz, di cui vengono valorizzate melodie e strutture armoniche attraverso l'interplay del trio.
Mario partiamo dal progetto The Town Does Not Exist: come ci ha lavorato e come è arrivata l’ispirazione?
Il titolo arriva dal primo verso di una poesia di Anne Sexton, il cielo capovolto è la base della scrittura del brano e si è sviluppato in trio, io scrivo pensando ai musicisti con i quali lavoro, è un lavoro disfunzionale nel senso moderna. E’ il proseguimento di un discorso che ha una sua tradizione ma c’è anche del jazz contemporaneo. E’ una istantanea su quello che avviene in una session a New York, indipendentemente dal luogo dove si svolge: si suonano pezzi dei singoli musicisti, pezzi celebri e standard e chiarita la tonalità si va liberi. Ho scelto di farla senza post-produzione o copia e incolla, prediligendo l’elemento verità e la chiarezza espositiva. Ho aggiunto i Jazz standard di due mie composizioni.
Mi racconti l’emozione di registrare a New York e in cosa il linguaggio del trio Jazz è unico?
L’ansia da prestazione mi ha colpito fino a un’ora prima poi al momento di suonare con musicisti di questo livello comprendi che fare musica è la cosa più semplice del mondo: sono dentro la musica e lasciano a casa l’ego, portano in studio entrambe le orecchie aperte, c’è un atteggiamento paritario. Il trio ha tante stratificazioni, la più vicina a me si relazione sempre col tempo, uno dei tre accetta un ruolo principale per agevolare scambi, momenti di crisi e divagazioni tematiche. Il tempo non è accompagnamento ritmico ma una pulsazione interiore, molto sofisticata seppur semplice e naturale.
In cosa ti ha ispirato Anne Sexton, per altro Premio Pulitzer per la poesia nel 1966 con la raccolta Live or Die?
E’ poco letta in Italia e spesso censurata perché tratta il tema del suicidio. La ho scoperta grazie a Peter Gabriel che ha scritto Mercy Street e quindi ho comprato l’opera omnia: apprezzo il minimalismo, la parola come mezzo evocativo e potente. La mia musica non è descrittiva ma è una elaborazione per un ascoltatore demiurgo che modella a suo piacimento.
La cover omaggia la Anne Sexton di The Starry Night quando dice “oh starry starry night! This is how I want to die”: in cosa hai trovato quei versi evocativi?
Quando la Sexton parla del morire è dissoluzione dell’essere umano davanti all’immensità del cielo. Non autolesionismo ma dissoluzione dell’ego che è quanto si fa tra musicisti in uno spazio di lavoro.
Il titolo ha un respiro distopico, mi ha fatto pensare a film quali Waterworld o 1997 Fuga da New York: quale è questa città che non esiste?
Non posso negare una suggestione che parte dall’ascoltare, tutte le interpretazioni hanno pari dignità e non è l’autore a incanalare l’ermeneutica di un brano. Ho sempre cercato di suggerire quello che schermo e dialoghi non dicono, un po’ alla Morricone. La town è richiamo Charlestown che è un quartiere di Boston. Non è uno spazio fisico ma esistenziale: per me è lo spazio dove si è se stessi negando l’ego, dialogando e creando alla pari.
The Dobler-Dahmer Theory ha forti richiami con Latin Jazz e è forse il brano in cui il dialogo del trio è più vivace e intenso: in questi casi potreste fare a meno dello spartito vista la bellezza dell’andamento irregolare?
C’è un rimando al Latin Jazz ma si tratta di una decisione estemporanea presa dal batterista. Si può stare senza spartito ma io ho avuto bisogno di scrivere tanto. Scrivere non è sottrazione alle idee ma un modo per codificarle.
Il titolo viene dall’ottava stagione di How I Met Your Mother: sei un amante delle serie tv? Ce ne sono altre che ti hanno ispirato?
Non proprio un grande appassionato ma alcune le guardo con piacere e tra queste c’è How I Met Your Mother per l’irriverenza e per momenti nei quali mi identifico nel dire cose serie con ironia. Mi piacciono poi Shameless e Behind Your Eyes.
Nel tuo modo di fare musica esiste un confine tra arte e forma, tra messaggio e puro ascolto oppure è un continuum emotivo?
Concepisco la musica come forma, la musica non è emozione né suggestione, è simile a un caleidoscopio che assume valore emozionale in base alla percezione dell’ascoltatore. La continuità elude gli sbalzi emotivi e io amo quelli che Béla Bartòk chiamava i contrasti.
Il silenzio che separa i brani non è vissuto come incompletezza ma come attesa, riesce ad annullare il senso di vuoto. In cosa il silenzio è musica?
Il silenzio è assenza di musica, concordo però in parte col tuo ragionamento perché a volte uno strumento eccelle nel silenzio dell’altro. In un disco è linea di demarcazione ma nei live non esiste perché c’è il pubblico che lo copre, il silenzio è ricollegarsi con lo spazio della musica.
Infine che accadrà nelle prossime settimane della tua vita artistica?
Porto avanti questo progetto: andrò suonare con trio in Puglia, poi vorrei farlo nell’ambiente Jazz romano e il grande sogno è portare i musicisti di New York in Italia, conciliando le rispettive agende. Questa musica è pensata per loro ma rileggendola con altri diventa esplorazione, diventa un percorso diverso di contrasto e convergenza.
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