Camoni e Canziani, il duo delle meraviglie alla 61^ Biennale d'Arte

Chiara Camoni e Cecilia Canziani sono il duo delle meraviglie del Padiglione Italia alla 61^ edizione dell’Esposizione internazionale d’Arte della Biennale di Venezia. Le abbiamo incontrate per farci raccontare cosa ha significato e quale responsabilità ha portato con sé essere protagoniste – nel ruolo rispettivamente di artista e di curatrice – di questo prestigioso progetto. Cecilia Canziani curatrice Qual è, nel suo ruolo di curatrice, il sentimento che oggi la coglie? L’avevamo immaginata come una grande festa – l’apertura del Padiglione Italia - e mi sembra che il mood sia quello. C’è molta gioia, molta condivisione, molto entusiasmo, rispetto al lavoro di Chiara Camoni e a questo padiglione. Che cosa ha unito in particolare la sua anima a quella di Chiara? Penso un atteggiamento simile, una simile postura, un modo di stare nel sistema nel mondo dell’Arte che è affine e anche un dialogo costante, che è durato negli anni; tanti lavori insieme, libri, testi, mostre e poi si è arrivati qua. In questo luogo così così maestoso, qual è stato per lei l’aspetto più sfidante? Quello che ci hanno tutti quanti chiesto era: “Come vi siete poste, rispetto allo spazio?”. Sono due tese enormi, è il padiglione nazionale più grande di tutta la Biennale. In realtà lo spazio non ci ha spaventato o quanto meno io mi sono affidata all’artista. Chiara Camoni ha un senso perfetto dello spazio e devo dire che questa sfida l’abbiamo vinta. L’altro elemento è stato tenere insieme un team enorme, siamo tantissimi; il titolo è "Con te con tutto" e noi abbiamo voluto rispondere a questo titolo anche con una composizione di persone, una grande moltiplicazione. Quindi, più che una voce sola siamo veramente un coro. Che cosa deve aspettarsi il pubblico che verrà qui a visitare questo padiglione? Spero tante sorprese e penso che debba aspettarsi anche di essere un po’ accolto: abbiamo lavorato su questo aspetto in diverse maniere. Da un lato è incontro immediato con la Scultura, è un padiglione molto generoso, pieno di opere, ci sono due temperature molto diverse, due ritmi differenti tra la prima e la seconda sala. Il primo è più buio, più concentrato, ha un aspetto più sacrale; nella seconda entra la luce, c’è più spazio, il padiglione si apre. L’altro aspetto riguarda il fatto che abbiamo voluto lavorare su una strumentazione per gli spettatori e le spettatrici, quindi, lavorando con tutti gli strumenti dell’inclusione e dell’accoglienza rispetto ai testi, ai materiali a disposizione della visita, a partire dal sito web, che è stato sviluppato proprio per preparare chi visita a avere a disposizione tutto ciò che serve per arrivare bene equipaggiati. Accoglienza, inclusione e anche sostenibilità, visto l’utilizzo di materiali riciclati che riprendono vita, in qualche modo? Assolutamente sì. Da un lato il materiale d’elezione di Chiara Camoni è l’argilla, che di fatto è terra e acqua e, quindi, è una scultura che potenzialmente torna terra. Dall’altro lato, questa dimensione dello scarto, del riuso, ma anche di saper guardare quello che è considerato da buttare, quello che è considerato marginale. Una pianta che cresce al bordo di una strada, così come una pianta che viene ributtata dal mare sulla spiaggia. Se noi sappiamo utilizzare gli occhi in maniera diversa e se un’artista ci insegna a farlo, questi materiali diventano bellissimi e parte di un’installazione. Due donne che lavorano insieme. Ci sono stati dei momenti di simpatica discussione, di disaccordo o dei momenti nei quali l’una ha fatto cambiare idea all’altra? Penso che il disaccordo sia il sale di tutti rapporti e anche delle discussioni tra un artista e una curatrice. È importante sapersi dire le cose e penso sia importante anche cambiare idea, avere la capacità di seguire l’inclinazione e l’indicazione di uno o dell’altro. Fa parte di un rapporto di fiducia che normalmente esiste o è ciò a cui si aspira; tra persone in generale e maggiormente quando si lavora insieme, soprattutto, in una scala di questo genere. Non esiste una piattaforma più sfidante del Padiglione della Biennale, succede una volta nella vita, quindi, va bene così: l’armonia perfetta è sospettosa . Alla fine di questa visita, vi sarete entrambe davvero svelate al pubblico? Penso di sì. Questa è veramente una mostra, è un padiglione generoso, la generosità e la quantità di fatica che ha richiesto montare questa mostra e, soprattutto, il lavoro di produzione da parte dell’artista è stato eroico e importante. Credo che rispetto a una installazione site-specific, questo sia un lavoro che permette veramente di entrare nel linguaggio, nella poetica, nel mondo di Chiara Camoni e credo che, rispetto anche al fatto che il pubblico non è più, il pubblico della Biennale, solamente quello di esperti, di professionisti, ma c’è sempre più curiosità da parte del pubblico che è semplicemente curioso di capire che cosa fa l’Arte di oggi, che parla di noi. Io credo che questo sia un modo anche per andare incontro a chi ne vuole sapere di più e qui trova un po’ tutto. All’ingresso ho visto addirittura la planimetria del padiglione. Perché? Abbiamo voluto dare delle indicazioni, rispetto ai materiali, rispetto all’ubicazione degli oggetti nella planimetria. Ciò è importante anche per potersi orientare e capire che cosa stiamo guardando, quanti lavori, di quali anni, Questa è una mostra che in grande parte accoglie nuove produzioni, ma anche dei lavori precedenti. Quindi, era importante dare conto, è come un a piccola retrospettiva: è veramente un punto d’approdo. Chiara Camoni artista Come ci si sente a essere la “padrona di casa” del Padiglione Italia, diciamo così? È una grande gioia, un grande orgoglio e una grande responsabilità. Io mi sento qua non da sola, ma insieme con tutte quelle che persone che in questi anni hanno sostenuto il lavoro. Galleristi, collezionisti, amici artisti, curatori e a tutta una comunità di persone che ha sentito e guardato il mondo dal mio punto di vista, sentendo e lavorando in una direzione. Essere artista del Padiglione italiano, in una Biennale italiana come quella di Venezia è un rischio, un’opportunità o entrambe le cose? Credo entrambe le cose, perché c’è una tale visibilità e si è talmente esposti, che il rischio è tangibile. Io arrivo a questa mostra grazie a una serie di passaggi che mi hanno permesso di affrontare gli spazi difficili di queste tese con una certa tranquillità, avevo già avuto mostre in spazi istituzionali di grandi dimensioni, quindi, il gigantismo delle due tese non mi ha spaventato. Credo molto nell’approccio che abbiamo adottato in questa mostra che affronta la monumentalità. Non attraverso grandi dimensioni, ma attraverso l’intensità del gesto e il peso specifico delle opere. Mi sono sentita di ridare fiducia alle opere, mi sono chiesta che cos’è un’opera. L’opera non è buona, l’opera non è cattiva, l’opera trasforma e non serve che sia spettacolare, ma serve che sia intensa. Quindi, tutto ciò che è in queste tese è su scala umana; non c’è niente che superi i due metri di altezza e di lunghezza nelle due tese e ognuno di noi può trovare una propria relazione con ciò che è qua allestito. C’è molto di Chiara come persona oltre che come artista, in questo progetto? Sento che ciò che per me è personale, può diventare universale, cambiando di scala, su un piano emotivo, inconscio, onirico. Le ambientazioni di questa seconda tesa si intitolano “Casette”, ospitano opere di altri artisti e oggetti, oggetti cha appartengono alla mia vita quotidiana. Ci sono posti nei quali ci si può soffermare e sedere; dalla verticalità della prima tesa, che ha un ritmo che è quello del bosco, delle colonne, delle figure modellate, si passa all’orizzontalità della seconda tesa, dove ci sono corpi giacenti e ino spazio architettonico che accoglie il visitatore con il suo proprio corpo. Cosa avverte quando crea? Avverto una sorta di piacere nella creazione, direi una voracità. Inizio la giornata col desiderio di mettermi al lavoro. Tutte le sculture sono modellate a mano, tutto è prodotto in studio, tutto quello che c’è qua dentro è stato realizzato in studio e quindi è stato toccato dalle mie mani e dalle mani delle persone che hanno lavorato a questa mostra. Sono tornata dentro alla ridefinizione di ciò che opera, sono tornata nella statuaria e sono tornata nella figura, quasi una specie di statement per dire ripartiamo da lì, Mi sono riconfrontata anche con la questione dello stile, del gesto, non sono calchi, sono modellate a mano e io ho trovato in ogni opera una verità, una personalità, le opere appaiono a me stessa anche se sono io a modellarle. Non so esattamente chi vado cercando, parto da una intuizione e a volte arrivano come in una specie di corsa; altre volte, invece, devo togliere e mettere, riprovare, distruggere, e a volte nella distruzione si modifica la forma e capisco cosa deve arrivare. A volte, strappando un pezzo, quello spazio di vuoto, di cavo, è il suggerimento di una direzione da prendere.

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Sabrina Rappoli