Scott Hampton: "Cerco di restare a metà strada tra fumetto d'autore e commerciale"

Parlare con Scott Hampton equivale a concedersi una full immersion nella storia del fumetto americano. Quello bello, il migliore, capace di coniugare aspetti artistici e commerciali, innovazione e tradizione. È generoso Hampton, non lesina aneddoti e gli brillano gli occhi appena gli si nomina Will Eisner, l’uomo che ha cambiato l’arte sequenziale , e quell’estate passata a fare il suo assitente. Ospite di Cortona Comics, parla mentre col pennello rifinisce splendidi disegni di Batman o Lucifer, due dei personaggi a cui ha contribuito a dar forma a cavallo tra gli anni ’80 e i ’90. E porta chi lo ascolta in un viaggio a ritroso nel tempo, nella sua carriera, nei ricordi di un’epoca densa di vitalità e furore artistico. Lei è cresciuto con suo Fratello Bo, più grande di cinque anni, è andato “a bottega” da Will Eisner e so che le capitava di sognare Frank Frazetta. Le sue influenze sono tutte qui? Beh, direi che in modi diversi sono stati proprio loro le mie influenze fondamentali. Ma ci sono state altre figure che hanno avuto un impatto importante su di me e la mia arte. Persone come Jeffrey Jones, Bernie Wrightson, Andrew Wyeth, e la lista potrebbe andare avanti per migliaia di artisti. Ma in generale direi di essere attratto da persone e artisti il cui aspetto umano si esprime in ciò che producono, e credo che sia qualcosa che accomuna Frazetta e Eisner. Le loro qualità umane vengono prima della loro arte ed è davvero difficile trovare in essa qualcosa che non sia realmente rappresentativa della loro umanità. E questo non vuol dire che debbano piacere a tutti, è il bello dell’arte che persone diverse apprezzino cose diverse. E poi c’è Bo. Se invece devo parlare di mio fratello, lui è stata la mia più profonda influenza- Crescendo, tutti i miei istinti e impulsi formativi sono stati influenzati da quello che faceva Bo. Avere qualcuno accanto a me che faceva quelle cose, mi ha fatto venire voglia di farle a mia volta, e avevo un esempio da seguire per risolvere problemi e fare le mie scelte. Questo ha aiutato il mio arco di scoperta e crescita. Tanti ragazzi sono soli a casa da piccoli, non hanno nessuno con cui scambiarsi idee, qualcuno di più grande che possa correggerli quando sbagliano. Per me è stato un grande vantaggio. Certamente lei e suo fratello avete imparato tanto da Eisner, ma so anche che gli avete dato qualche buon consiglio. Per esempio gli avete detto di tenere il bianco e nero in “Contratto con Dio”. Esatto. Quell’estate stavamo lavorando sui toni di grigio per quella storia. Era qualcosa che lui aveva già sperimentato per le ristampe di “The Spirit”. Eravamo felicissimi di farlo, di lavorare con lui, ma no, io non pensavo che questo avrebbe migliorato l’opera. E alla fine siamo andati da lui e gli abbiamo detto che non doveva sentirsi in dovere di stamparlo in quel modo solo perché ci avevamo lavorato. Pensavamo che la sua versione fosse sufficientemente forte da non doverla modificare. Onestamente è meglio così come è, penna e inchiostro. Lui ci ha pensato su e alla fine ha fatto così. Ora, probabilmente non aveva bisogno di essere convinto, nessuno aveva un occhio più allenato di Will Eisner, e probabilmente sapeva già che non avrebbe usato il nostro lavoro da molto tempo prima. Verrebbe da chiedere, però, perché ve lo ha fatto fare. Will era un grandissimo mentore, lo è stato più per Bo, che è andato a scuola da lui, che per me, lo ha preso sotto la sua ala nella maniera più altruista possibile. E Bo ne ha tratto grande beneficio. Quindi, anche se sapeva che il nostro lavoro non gli sarebbe servito, ce lo ha fatto fare solo perché potessimo stare con lui e potesse aiutarci. Nessuno è mai stato più felice di aiutare gli altri di quanto lo fosse Will Eisner, per quel che posso dire. Ho letto in un’intervista che la sua storia preferita tra quelle che ha illustrato è “Batman: Urla nella notte”. Lo conferma? Tra quelle che non ho scritto io personalmente penso di sì. In realtà la mia storia completa preferita è “The Upturned Stone”, del 1992. Ma se parliamo di disegno sì, direi che è Urla nella notte. Significa tanto, per me, aver potuto lavorare con Archie a quella che considero una grande storia, un grande lavoro di scrittura. “Silverheels”, del 1983, è considerato il primo fumetto seriale interamente in stile pittorico. Pensa di ricevere abbastanza riconoscimenti per il ruolo da pioniere che ha avuto? Non saprei, sinceramente, quanto il mondo sia al corrente dell’evoluzione che c’è stata. A volte la storia tende a comprimersi e confondersi. Capita che mi mettano insieme a Bernie Wrightson, Jeffrey Jones, Mike Kaluta e Barry Windsor-Smith, nonostante siano tutti dieci anni più anziani di me e di fatto quelli da cui ho imparato, le mie figure paterne nell’arte. Comunque, quando “Silverheels” è uscito era previsto che fosse un fumetto mensile, ed era dipinto: è stata una svolta. Tutti conoscevano “Little Annie Fanny”, ma era su un magazine. Molti avevano visto “Cody Starbuck” di Howard Chaykin, ma era una graphic novel. Avevamo già avuto elementi dipinti nei fumetti, penso a Richard Portman, non stavo facendo qualcosa mai fatta prima, ma il mio era il primo fumetto in stile pittorico presentato nel modo più tradizionale possibile. Voleva dire che non per forza un lavoro del genere doveva essere presentato in un magazine o come graphic novel. Per questo molti possono dire che ho iniziato qualcosa, ma in realtà credo di essere semplicemente stato il primo a uscire da quel portone, tutti programmavano di farlo. Come artista è esploso nel periodo diventato poi noto col nome di British Invasion. Che rapporto avevate con i colleghi britannici? C’era rivalità? Prima ancora che esistesse la Vertigo, Alan Moore e altri avevano creato una sorta di loro mondo personale. Gli artisti britannici arrivavano così sul mercato americano per creare opere magnifiche e nuove. E io non posso dire molto se non che ero felice di vedere questi lavori, non mi importava se fossero britannici o meno. E Alan Moore ha aperto la strada a gente come Neil Gaiman, uno degli autori più generosi che abbia mai incontrato, basti pensare che quando gli chiedevano se secondo lui J.K. Rowling gli dovesse delle royalties per la questione su “Harry Potter” e “Books of Magic”, lui diceva sempre di no, che lei poteva esser stata influenzata dalle stesse cose che avevano influenzato lui. Ed è un modo generoso di vederla, anche se forse la persona a cui avrebbero dovuto chiedere è John Bolton, che ha creato il design del protagonista di “Books of Magic” a cui Harry Potter somiglia tantissimo. Ma comunque, penso che prima ancora della British Invasion, il mondo dei comics fosse stato già profondamente cambiato da Frank Miller e altri. Era un periodo di grandi cambiamenti. L'industria del fumetto è una continua tensione tra spinta artistica ed esigenze commerciali. Come riesce a tenere l’equilibrio? Mi sono sempre tenuto nel mezzo. Penso che ci sia un mondo di storie accettate dal pubblico più colto, dai lettori del New Yorker, ed è comunque una sorta di prodotto commerciale. Poi ci sono i prodotti più evidentemente commerciali, come il fumetto supereroistico. Poi c’è chi si autopubblica. Ci sono diversi modi per ottenere il successo e sfondare nel mondo del commerciale creando nuove opportunità. Il mercato americano è stato dominato per anni dai supereroi, e anche quando pensavamo che i lettori sarebbero maturati affrancandosi da quel genere, questo non è successo. E il fatto è che i supereroi sono così popolari per via dei loro costumi. Piacciono per questo, e se smettono di piacere il loro pubblico non si sposta su altri fumetti, magari si spostano ad altre forme di intrattenimento come il cinema e i videogame. Poi è cresciuta di molto la popolarità dei manga. Insomma, ci sono un sacco di modi per essere commerciali e un sacco di modi per essere personali e raccontare semplicemente storie che vuoi raccontare, senza preoccuparsi di farci soldi. Dopo 40 anni di carriera è ancora alla ricerca di nuovi modi per esprimersi? Di nuove tecniche? Che importanza ha per lei il ruolo della ricerca? Pensavo di avere una risposta certa fino a che non ha menzionato la parola “ricerca”. Sì, amo sperimentare e giocare con nuove tecniche, nuovi modi per provare a raccontare una storia. Ma devo ammettere che ho perso gran parte della mia abilità di restare aggiornato riguardo a ciò che accade nel mondo del fumetto e ai gusti dei fan. Per quanto riguarda la ricerca: internet è uno strumento straordinario per connettersi, trovare foto vintage di castelli e qualcosa che, con un solo sguardo, mi faccia venire voglia di usarla come reference. Non voglio essere frainteso: mi piace cercare delle reference online, e penso sia ciò che agevola il processo del raccontare una storia nel fumetto e lo rende più godibile. Però non voglio basarmi solo su questo e percorrere la strada più semplice troppo spesso. Mi piace l’idea di utilizzare la mia immaginazione. Molte delle storie che ha scritto e disegnato sono legate al mondo dei sogni e degli incubi. Che rapporto ha con le paure, con gli incubi, coi sogni? Sì, sono sempre stato attratto da tutto ciò che è gotico, al romantico, al misterioso, all’oscuro. Direi che è il mio principale interesse. Il suo lavoro più recente è un adattamento a fumetti di “Wicked”, un grandissimo successo come romanzo, poi a Broadway e ora al cinema. Cosa la attrae così tanto in quest’opera? Beh, mi affascina molto l’idea di prendere un personaggio di oltre cent’anni fa e dargli nuova vita. Penso che, in generale, sia qualcosa di culturalmente molto forte. E Gregory è stato pioniere in questo. Dopo che lui ha scritto “Wicked”, praticamente ogni autore che io conosca, da Neil Gaiman ad Alan Moore e molti altri, ha provato a raccogliere il testimone e fare qualcosa sulla stessa linea. E Gregory è la persona più gentile sul pianeta Terra, è molto umile e generoso tanto quanto è un talento geniale. Così, quando ho avuto l’opportunità di lavorare su “Wicked”, ho detto: “beh, sta succedendo. Sarà così divertente”. Perché il libro è più oscuro e spesso e stratificato di ogni altro adattamento. E questo è un vantaggio per me. Nel realizzare l’adattamento ho preso molto seriamente il compito di restare fedele al materiale originale, penso di averlo fatto abbastanza bene nel primo volume. Penso di averlo fatto anche nel secondo, ma sono nel bel mezzo del processo di illustrazione, quindi devo ancora vedere cosa verrà fuori. Prendo molto seriamente il compito di lavorare su un’opera che è entrata nell’immaginario dei fan, so che ciascuno ha la sua idea di come sia Elphaba, di come sia Glinda, e tutto il resto. Sono consapevole della responsabilità. Non ne sono così preoccupato perché ho letto tanto materiale e spero che alla fine devo pensare a come lo vedo io e sperare che i lettori siano in accordo con me, ma sì, ho una checklist mentale per essere sicuro di non prendere decisioni che siano troppo lontani dalla visione di Gregory. Voglio essere fedele all’originale e creativo al tempo stesso. Non deve essere una pallida imitazione, deve riflettere l’innovativa bellezza e qualità della storia: è un filo sottile. Devo essere fedele per i lettori che già conoscono l’opera ma anche fare qualcosa di fresco e interessante per chi non ha mai sentito parlare del romanzo. Sto cercando di fare questo.

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Scott Hampton: "Cerco di restare a metà strada tra fumetto d'autore e commerciale"

Gabriele Lippi