Il mondo visionario di Skygolpe: “La realtà è solo la tua illusione”

Frasi inquietanti tappezzano Milano. È la provocazione artistica dal titolo Blackout di Skygolpe, visioni generate da intelligenze artificiali e slogan enigmatici . Il capoluogo lombardo segna la prima tappa di Blackout, città scelta per il suo ruolo centrale nel panorama della comunicazione visiva e pubblicitaria italiana, simbolo dell’innovazione e della sperimentazione culturale. Skygolpe, alias di Mattia Sommovigo, è nato alla Spezia 39 anni fa, è laureato in filosofia, ha vissuto a lungo in Inghilterra ma il suo studio e la sua casa sono a Lavagna, in Liguria. Ha sviluppato un amore grande per l’Arte digitale, l’intelligenza artificiale, gli NFT. La sua ricerca fonde Arte digitale e fisica e le sue opere hanno conquistato le case d’aste più prestigiose, raggiungendo cifre che è eufemistico definire ragguardevoli. Lo abbiamo incontrato a Milano, allo spazio WUF, dove mentre lo stavamo intervistando, andava in loop una creazione video, interamente generata dall’AI. Ci ha raccontato il suo punto di vista su intelligenza artificiale, filosofia, collezionismo, criptovalute. Secondo lui il processo verso un futuro ipertecnologico, che oggi a volte spaventa, è destinato a non fermarsi, anzi. È un ottimista, perché, dice “non esserlo sarebbe veramente la forma più alta di autolesionismo”. Gli piace unire il sacro col profano, lavora col Futuro ma non gli dispiacerebbe appendere in salotto una Madonna del ‘400. Da Sommovigo a Skygolpe c’è un pochino. Come hai scelto questo nome d’arte e perché? Skygolpe è un nome che rappresenta bene la schizofrenia del digitale, perché è l’identità con cui, nel 2020, ho avuto il piacere e la fortuna di entrare nel movimento dell’Arte digitale, sviluppata su blockchain, quindi, attraverso NFT. In un momento in cui le dinamiche di mercato erano completamente lontane ma era veramente un gesto spontaneo, quasi una subcultura di Internet che si stava formando. È, diciamo, l’alias che ho scelto, al tempo, per rappresentare questo nuovo progetto, che poi ho portato avanti nella dimensione digitale. Tutto il mio lavoro ruota intorno a influenze filosofiche; direi che la contraddizione e lo scontro tra opposti è sempre al centro del mio lavoro. Quindi, quello che mi affascina sempre molto del concetto Skygolpe è proprio lo scontro tra Sky – quindi, il cielo e la parte aulica, quella idealista – col golpe, che è la cosa umana “troppo umana”, direbbe il filosofo Friedrich Nietzsche: quindi, il caos. Diciamo che già inserire questo contrasto all’interno del concetto, perché più che un nome è quasi un concetto, Skygolpe, al quale io mi presto, ha determinato la scelta del nome. C’è amore per le parole, da parte tua? Assoluto. Assoluto. Diciamo che io nasco come aforista, comunque. Per me le parole sono un canvas, una tela in cui riesco ad approfondire la parte paradossale dell’esistenza che è quella che a me affascina. Quindi, quello che proprio io adoro dell’aforisma, è proprio il mettere in luce, come un lampo, io ho definito l’aforisma “un lampo di verità”, però, delle realtà paradossali. Quindi, sono delle verità che si raggiungono attraverso tesi e antitesi paradossali; è come se – essendo un buon esistenzialista – riuscissi a esorcizzare – attraverso il paradosso – l’illogicità della realtà, che è anche quello che mi ha spinto a volermi definire artista. Io ho scelto di essere artista proprio perché l’Arte è l’unica cosa che può contraddirsi senza perdere il proprio significato. Da lì è iniziato tutto questo processo, tant’è che io non ho studiato Arte, ho fatto degli studi completamente diversi, rispetto agli studi artistici. All’età di diciotto anni, essendomi spostato a Londra, mi sono imbattuto nel mondo della Street Art; stiamo parlando del 2006, quindi, post Banksy, una sorta di Golden Age del periodo della Street Art. Lì ho mosso i miei primi passi, proprio come una sorta di street poetry, in strada; quindi, io scrivevo i miei pensieri in strada e da lì tutto è evoluto fino ad arrivare dove sono oggi. Le scritte che tappezzano Milano in questi giorni e che ora vedo scorrere sugli schermi alle tue spalle – il futuro è generato, ingoia il progresso, le macchine sono fedeli – tanto per citarne alcune, sono le tue opere d’Arte? Sì, assolutamente. Io direi che il concetto di opera d’Arte che ho io in testa è un prisma. Io vivo l’opera come una dimensione a più facce, cioè, delle interfacce che sono una vicina all’altra, di un concetto che sta poi, in realtà, in fondo. Poi, l’opera emerge attraverso diversi output, quindi, ho questa visione di opera attiva, nel senso che non mi piace nemmeno pensare di rinchiudere proprio l’opera dentro una sintesi che debba per forza rappresentare il tutto dell’opera. È una visione modulare dell’Arte, quella che a me piace e che mi spinge nella mia ricerca. L’opera, io lo chiamo il video, che scorre alle tue spalle, è generato interamente con AI. Per chi non ne sa molto, praticamente, cosa accade? La regia, la scenografia e la fotografia, giocano un ruolo fondamentale, nel senso che non c’è molto di diverso rispetto a un processo tradizionale cinematografico. Mentre nella produzione tradizionale si ragiona sul raggiungimento di un risultato, in questo caso quello che è interessante è che, molto spesso, nel processo l’entropia assume un ruolo molto importante. Perché oggi, non è totalmente domabile, la forza dell’intelligenza artificiale. E’ l’aspetto entropico e in un certo senso autocritico – come ossimoro – da parte dell’intelligenza artificiale e, quindi, anche la parte di critica diventa fondamentale nell’assemblaggio. Sicuramente, il concetto, l’idea e la forma, sono parti iniziali, però, è dentro al processo che ci sono le differenze più grandi. Per quello che mi riguarda, trovo incredibile che – tutto quello che si vede in questo breve corto – è totalmente generato. Quindi, non esistente né in maniera digitale antecedente, né in maniera fisica. Credo che questo sia un po’ l’aspetto più particolare. Nel caso specifico di questo corto, che si chiama “Contact”, che è ispirato alla creazione di Adamo, di Michelangelo, dove il gesto è focale nel progetto, con queste mani che si uniscono, che si toccano. Il film rappresenta la parte positiva del progetto, perché le frasi che ho utilizzato per l’installazione pubblica, invece, sono molto dirette, molto forti e quasi potrebbero essere tacciate di un sottofondo di pessimismo. Mentre nel corto ho voluto bilanciare questo pessimismo, con speranza e fiducia nel domani. Perché, in realtà, questa non è un’opera politica, non è un’opera che critica o che vuole giudicare il progresso; perché l’Arte, secondo me, non può mai porsi dentro quella dimensione. Nello stesso modo l’Arte è ostaggio di una sorta di cul de sac, dove l’Arte è costretta a sperimentare, perché altrimenti non è Arte ma – nello stesso tempo - l’Arte è anche critica e si rende conto. Quindi, è proprio questa contraddizione e come al solito torniamo alla famigerata contraddizione, proprio alla base di tutto questo progetto; questa necessità nel doversi mettere in gioco, nel dover sperimentare, però, nel sapere di avere comunque una coscienza. Quindi, trovarsi anche ad analizzare elementi non sempre positivi. Come si capisce che quest’opera, questo corto, è generata artificialmente? Questo è uno degli aspetti più spaventosi, se vogliamo. Siamo abbastanza lucidi per poter percepire questo non sempre come positivo. In una giornata come oggi, per esempio, io sto presentando un’opera, descrivo quello che avviene nell’opera. Sicuramente, quando noi andiamo a legare l’utilizzo di intelligenza artificiale per produzione di contenuti di qualsiasi sorta, fa girare la testa pensare che già ora non siamo assolutamente in grado di distinguere ciò che è reale da ciò che è generato. Questo è uno dei temi di frattura, fragili, che sono al centro delle frasi che fanno da contorno nell’installazione pubblica. Per fare un esempio, tra queste frasi prenderei “Arte senza artisti”, come una delle più emblematiche. Chiaramente, è una provocazione, una iperbole, perché non esiste Arte senza artisti. Nello stesso tempo, apre il dibattito su questo tipo di tematica, che sarà al centro della ridefinizione di cosa significa Arte ed essere artisti, da qui al prossimo futuro. Anche per scrivere un pezzo su Skygolpe io potrei domandare all’intelligenza artificiale di farlo per mio conto? Probabilmente, l’elemento specialistico muterà. Secondo me non è tanto il discorso deontologico, perché quello sta all’uomo, sempre. Per esempio, nel caso io vivo il processo dell’intelligenza artificiale come un’amplificazione quasi incontrollata, come una specie di onda d’urto che io posso detonare ma che posso anche analizzare dall’alto lo spettro e andare poi a sintetizzare, prendere, utilizzare, riutilizzare cose che per me sono estremamente interessanti. Quindi, come sempre, può essere una banalità, però, è l’uomo che sta dietro all’intelligenza artificiale e questo non cambierà. Dobbiamo concentrarci proprio su come rendere la figura umana sempre più centrale all’interno di questi nuovi processi che, se visti col punto di vista da cui li vediamo oggi, sembra che l’uomo non serva ma, secondo me, non è così. È un discorso evolutivo in atto e sporcarsi le mani, tuffarsi dentro e cercare di elaborare criticamente è fondamentale. Che valore hanno queste opere, un‘opera così e, intanto, hai intenzione di venderla? In realtà, quest’opera qua, al momento non è sul mercato. Probabilmente ci andrà. Diciamo che la parte un po’ più pratica e razionale del mio progetto di essere artista indipendente, perché questo è, comunque, il mio obiettivo, prevede anche una cura, per quello che riguarda la parte che si deve interfacciare con il mercato. Nel mio caso sono stato bravo e fortunato, perché nel 2020-2021, ho saputo cogliere questo cambiamento derivante dal nuovo mercato dell’Arte digitale e ho raggiunto degli obiettivi sicuramente impensabili, per quella che poteva essere la mia idea di sviluppo. Questo mi ha portato a imbattermi in case d’asta primarie come Christie’s, dove ho già avuto due martelli in asta, con due opere fisiche, sia a New York sia a Hong Kong, che sono andate molto bene. Non è al centro del fuoco la dimensione commerciale legata a questa operazione, perché quella sarà una conseguenza quasi organica di questo progetto. Quello per cui tenevo tantissimo a fare questo progetto era che - dopo aver operato in questi ultimi cinque anni così forte nella dimensione digitale - ritornare in strada, con questa opera situazionista, con questa cosa tangibile, vera, reale, forte, per tutti, è la cosa della quale avevo più bisogno. Avevo bisogno di mettermi in gioco, di sentire queste vibrazioni. Un po’ come accade ai cantanti che, dopo aver lavorato a un loro album in studio, sentono irresistibile il richiamo del palco? Hai colto una metafora perfetta. Io sono nato in mezzo alla strada, a Londra. Quindi, ritornare con questa dimensione, un po’ ispirata anche agli anni ’70, ’80, quest’Arte un po’ situazionista. Anche perché, magari è una mia impressione, essendo che ormai tutto passa attraverso il feed dei social media, si ha questo senso anche di appiattimento, di conformismo visivo. Per me spezzare questa monotonia è veramente mettermi in gioco sul serio. Fare un’opera di Arte pubblica era una necessità che sentivo e un sogno che nutrivo da diverso tempo e sono felicissimo di esserci riuscito. Mi era parso di capire che le criptovalute, così come l’Arte digitale, avessero avuto un momento di sbandamento, in questi ultimi anni. In realtà uno sbandamento c’è stato, però, lo sbandamento che c’è stato è stato legato proprio alla bolla speculativa che si era creata su un fenomeno tecnologico e sociale molto importante, perché per la prima volta nella Storia, grazie alla tecnologia NFT, si è potuto autenticare un’opera digitale. Questa cosa è passata quasi in secondo piano perché, essendo la tecnologia blockchain così connessa alle criptovalute, questo ha portato un interesse speculativo infinito. Come se fosse stato un turbo ciclo di un’innovazione che, però, aveva anche un mercato connesso, pronto, assetato a cercare di specularci il più possibile. Non bisogna confondere la parer speculativa con l’innovazione tecnologica e concettuale che in realtà la tecnologia NFT ha portato e che, per la prima volta, un’opera digitale ha potuto essere autenticata con un indirizzo univoco, in una maniera non corrompibile. Quindi, capisci bene che, in un’epoca in cui - magari - un video diventa virale perché fa milioni di visualizzazioni, l’autorialità diventa un concetto quasi primario, perché arrivare alla fonte è pressoché impossibile; l’NFT arriva a essere un qualcosa di estremamente attuale e sarà una tecnologia che nei prossimi anni continuerà a espandere il proprio raggio di azione. All’interno di questa dimensione, chiaramente si sono creati tantissimi tipi di fasce di lavoro e contestualizzazione. Però, c’è stata anche una fascia di artisti che si sono voluti mettere in gioco con questa tecnologia e hanno costituito, secondo me, un gruppo sperimentale molto forte che si sono “sporcati le mani”, però, riconoscendo l’innovazione alla base. Per una volta, un qualcosa che potesse permettere uno scambio di mercato artistico senza la terza parte. Concettualmente è una cosa forte ed è quello che a me, nel 2020, senza alcun tipo di mercato, mi ha portato a interessarmi di questa cosa. Poi, essendo entrato presto e avendo comunque veramente messo il mio lavoro in gioco, a un certo punto, quando in realtà si è presentato il mercato, io sono stato catapultato in questo mondo. Quando ho approcciato quel mondo lì, non c’era ancora un elemento speculativo. Forse, è anche per quello che ha funzionato, mi verrebbe da dire . Sei ottimista, comunque, sul futuro di questo tipo di Arte? Io sì. Io sono comunque ottimista per necessità. Credo che l’ottimismo sia una necessità esistenziale, questo l’ho imparato crescendo ed essendo tendenzialmente un ex sartriano. L’ottimismo è fondamentale, perché la realtà è semplicemente la tua illusione; la tua visione dell’esistenza risponde semplicemente alla tua direttiva illusoria. Quindi, escludere l’ottimismo da quell’equazione, sarebbe veramente la forma più alta di autolesionismo possibile. L’ottimismo deve per forza essere presente. Questo non vuol dire essere ciechi e non vuol dire essere interessati alla contraddizione, al paradosso, al bilanciamento. Per me è sempre interessante toccare i due poli, quindi, l’ottimismo deve esserci. Che tipo di collezionista è il collezionista di Skygolpe? Il collezionista di Skygolpe è abbastanza variegato, nel senso che – per quello che riguarda i lavori digitali – fortunatamente, il mio lavoro è presente in tante delle maggiori collezioni di Arte digitale. Quindi, ho da un lato un collezionismo che potremmo definire contemporaneo – molti imprenditori, imprenditori digitali, investitori in criptovalute - quel mondo popolato principalmente da investitori che operano fuori dai canoni tradizionali del mercato, specializzandosi in nicchie come le criptovalute, andando a cercare anche bisogni di diversificazioni che poi, nel caso dell’Arte legata alle criptovalute, diventa perfetto. In questi anni ho anche sviluppato, grazie alla collaborazione con Valuart, abbiamo fatto diversi eventi fisici in giro per il mondo. Abbiamo fatto New York, abbiamo fatto Dubai, facciamo spesso la Svizzera e questo ha portato anche un pool di collezionisti tradizionali o più tradizionali, quindi, in questo momento, la forbice è abbastanza ampia. Per quello che riguarda, invece, questo lavoro, uno spazio come questo è esattamente dove quest’opera dovrebbe essere fruita . Perché diventa fondamentale l’attenzione al medium digitale; come si può mettere in risalto il medium digitale, come lo si può portare a dimensione più immersiva. Un contesto come quello di oggi per me è un sogno, perché è esattamente come mi piacerebbe che quest’opera fosse fruita dalle persone . Chi può permettersi di acquistare un’opera d’Arte digitale? Il fatto che ci sia stata una bolla speculativa ha portato i prezzi a essere veramente vorticosi. Il discorso che è interessante della tecnologia NFT è che la proprietà è completamente staccata dall’utilizzo. Come dire, tutti possono trasmettere questo video ma soltanto il collezionista lo possiede. Quindi, in realtà, alla base c’è proprio il fatto che è stata creata per questo tipo di necessità. In un mondo che deve sempre essere connesso, la fonte e la proprietà cominciano a diventare una zona grigia notevole. Io potrei anche mettere in free download questa opera dal mio sito e dire “l’opera è fruibile”. Tu, la vuoi mettere in casa tua? Sei un gallerista, sei uno spazio, sei un privato? Io potrei anche dire “l’opera la scarichi”. Tanto poi, essendo che il vero certificato di proprietà viene nella tecnologia NFT, non c’è alcun problema. Ti rigiro la domanda: Se tu fossi un collezionista e sapessi che tu sei il proprietario di una cosa che viene amplificata milioni di volte, cosa faresti? Mi piacerebbe moltissimo! È lì che è la vera novità, rispetto al discorso della rigidità di chiudere un’opera in caveau. Poi, sicuramente, io sono per lo spettro completo, se uno preferisce il caveau può farlo, però questa parte è assolutamente interessante, perché porta delle nuove sfide concettuali. Dov’è il tuo studio? Ho lo studio a Lavagna, che è il paese dove vivo. Da buon intimista e ligure, da buon montaliano, sono assolutamente legato alla mia Liguria. Come ti percepiscono i tuoi compaesani? Molto bene, perché a me piace calarmi mimeticamente nel contesto urbano, quindi, sinceramente sono una persona normalissima e – tra l’altro, in pochissimi conoscono le mie reali identità. Conduco una vita normale e la gente mi vuole bene. Ho gli amici del tennis, perché gioco tanto a tennis; io sono un intimista. Il mio lavoro dà il meglio quando io posso passare tempo con me. Mia moglie non è felicissima di questa mia peculiarità, però, mia moglie di Lavagna, io sono della Spezia, quindi, la scelta è stata abbastanza naturale. Lavagna è un gioiellino e io mi sono innamorato di quel posto e non lo cambierei con altri luoghi. Sono stato sei anni a Londra, da giovane, anche se sono ancora abbastanza giovane. Però, intorno ai vent’anni, dai 19 anni ai 25, sono stato a Londra, quindi, ho fatto un’esperienza abbastanza ricca. Hai detto di non aver fatto studi d’Arte ma sai disegnare? So disegnare ma non mi reputo assolutamente un disegnatore o un pittore. Tendenzialmente, io sono abbastanza anti-formalista, proprio nella mia concezione artistica. Ho amici virtuosi, meravigliosi, di cui adoro vedere le opere e goderne, però, per quanto mi riguarda, vado sempre a ricercare una forma di anti-formalismo e ho necessità di sviluppare quelli che sono i miei metodi processuali, basati semplicemente su cose autentiche, mie, non ho riferimenti. Tutto quello che è tecnica – ammetto che anche a me piace fruirne – dal punto di vista produttivo non mi soddisfa: la ripetizione per la ricerca della perfezione, che è l’unico modo per essere un pittore forte o un disegnatore forte. Una vita di sacrificio sulla ricerca della perfezione è qualcosa di niente di più lontano da me e del mio essere iconoclasta, quando posso. Dove saremo tra dieci anni? Fammi provare a risponderti… Intanto, con l’intelligenza artificiale a che punto saremo? Sicuramente, saremo molto meno soli, nel senso che già oggi sviluppa tanto per noi. Io ho anche definito un concetto di pornografia mentale, nel senso che è in grado di capire cosa ti fa stare bene, cosa ti piace. In un certo senso, prende la forma che percepisce che tu ricerchi, questa cosa l’ho notata già da diverso tempo. Una sorta di endorfina. Uno dei problemi più grandi che porta la digitalizzazione è l’alienazione, il minor contatto con gli altri. Secondo me, questi nuovi enti saranno degli assistenti a 360°, non soltanto nell’ambito produttivo. A un primo impatto ti viene da dire “è negativo”, però, se vai a vedere quante persone stanno male per patologie legate alla solitudine, potrebbe essere bilanciato. Sicuramente, avremo molta più automazione, tra dieci anni, sempre più automazione. Il concetto del lavoro operario, manuale, è qualcosa che vedo che nei prossimi dieci anni subirà una trasformazione infinita. Artisticamente, nel 2021 sembrava che il metaverso e comunque la dimensione immersiva stessero per decollare. Poi, in realtà, per una serie di motivi, si è vista una regressione. Io credo che da qui ai prossimi dieci anni l’elemento immersivo - e quando dico immersivo intendo proprio quella cosa là con i visori, la realtà virtuale, i sensori – quella esperienzialità lì, credo che da qui ai prossimi dieci anni, sia dal punto di vista artistico sia d’intrattenimento, vedremo fiorire questo tipo di dinamiche. Non ci si ferma. Una Madonna del ‘400 l’appenderesti in salotto? Certo che sì, certo che sì, assolutamente sì. Anche perché adoro mischiare il sacro col profano, quindi, di profano ci sono io, ci mettiamo il sacro e… tac!

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Sabrina Rappoli