Il cinema latinoamericano contemporaneo tra esilio, trauma e rinascita

Dal cinema introspettivo argentino di Las Corrientes alla potenza visionaria dell’esilio di Tangos – El exilio de Gardel, dal racconto di memoria e adolescenza cilena di Cuerpo Celeste, fino alla resistenza culturale delle comunità andine in Runa Simi, il Festival La Nueva Ola al Cinema Barberini di Roma costruisce un mosaico intenso del nuovo cinema latinoamericano. Quattro opere diverse per linguaggio e stile, ma unite da una stessa tensione: raccontare identità in trasformazione, ferite storiche e percorsi interiori segnati da perdita e rinascita. Tra Argentina, Cile e Perù, il cinema diventa così uno spazio di memoria, resistenza e ricerca di senso, dove il personale e il politico si intrecciano continuamente. le correnti sotterranee dell’inquietudine Las Corrientes di Milagros Mumenthaler si impone come uno dei titoli più intensi e introspettivi della rassegna. Il film segue Lina, stilista argentina divisa tra Europa e Buenos Aires, interpretata da Isabel Aimé González Sola, in un percorso emotivo sospeso tra identità fratturate, silenzi e memoria. Tutto sembra incrinarsi durante un soggiorno in Svizzera, quando un gesto improvviso e disperato apre una frattura nella sua vita apparentemente perfetta. Da quel momento il racconto si muove in una dimensione rarefatta, dove il dolore non viene mai spiegato apertamente ma emerge attraverso dettagli, assenze e piccoli gesti quotidiani. Mumenthaler costruisce così un cinema dell’interiorità, in cui ciò che resta nascosto pesa più di ciò che viene mostrato, lasciando lo spettatore immerso in una sensazione costante di inquietudine e sospensione. Corpo, memoria, identità frammentata Uno degli aspetti più potenti del film riguarda il rapporto tra corpo e memoria. Lina vive una dissociazione profonda dal proprio corpo, segnato da una fobia dell’acqua che diventa simbolo di trauma e desiderio di rinascita. A Ginevra, dopo una premiazione che sembra non significare nulla per lei, la protagonista si lascia attrarre dall’acqua di un fiume fino a tentare il suicidio. Le correnti prima la avvolgono e poi la trascinano, in una scena che rappresenta perfettamente il conflitto interiore del personaggio: il desiderio di sparire e, allo stesso tempo, quello di restare viva. Da quel momento il corpo diventa archivio di ferite invisibili, incapace di dimenticare ciò che la mente tenta di rimuovere. Il film esplora anche la maternità fragile e irregolare di Lina, incapace di incarnare il modello tradizionale di madre, ma legata comunque alla figlia Sofia da un amore autentico. In questo equilibrio precario, Las Corrientes racconta la paura di somigliare ai propri genitori e di ereditare un dolore che attraversa le generazioni. Il film riflette inoltre sulla frammentazione dell’identità. Lina è chiamata in modi diversi a seconda del contesto sociale: “Lina Campbell” nel mondo pubblico e dell’alta borghesia del marito, “Catalina” nei momenti più intimi e familiari. Questa frattura nominale diventa metafora di una donna incapace di riconoscersi davvero. Durante la presentazione romana al Cinema Barberini, l’attrice Isabel Aimé González Sola ha raccontato di aver costruito il personaggio quasi esclusivamente sulle sensazioni, senza indicazioni psicologiche precise da parte della regista. Anche la fobia dell’acqua non viene mai spiegata clinicamente: non esiste una diagnosi, né una vera causa. È proprio questa assenza di risposte a rendere il film universale e perturbante. Mumenthaler, argentina trasferitasi in Svizzera, realizza così un cinema dell’esilio e dell’incomunicabilità, dove i personaggi sembrano sempre sospesi tra appartenenza e fuga. Presentato al Toronto International Film Festival e al Festival di San Sebastián, Las Corrientes conferma il valore di un cinema argentino contemporaneo capace di indagare le fragilità interiori con grande delicatezza e profondità. Il tango dell'esilio Premiato con il Gran Premio della Giuria alla Mostra del Cinema di Venezia nel 1985, Tangos – El exilio de Gardel di Pino Solanas si inserisce nella rassegna La Nueva Ola come un classico. È molto più di un musical: è un’opera totale che intreccia politica, danza, malinconia e sentimento. Ambientato nella Parigi del 1980, il film racconta la storia di un gruppo di argentini in esilio che prova a mettere in scena una “tanguedia”, una fusione di tango, tragedia e commedia capace di dare forma artistica alla frattura dell’esilio. Attraverso la giovane María e sua madre Mariana, attrice argentina rifugiatasi in Francia, il regista Solanas mette in scena la condizione universale dello sradicamento: la nostalgia per Buenos Aires, la sensazione di vivere sospesi tra due mondi e il tentativo disperato di ricostruire un’identità lontano dalla propria terra. Il tango, accompagnato dalle musiche struggenti di Astor Piazzolla e dalle canzoni legate all’immaginario di Carlos Gardel, diventa così un linguaggio di resistenza e memoria, un “grido dolente” che tiene uniti i vivi e i desaparecidos. È un film profondamente porteño, intriso dell’anima di Buenos Aires, anche se ambientato altrove: perché Gardel, simbolo universale del tango, appartiene soprattutto a quella città che continua ad abitare i sogni degli esiliati. La "tanguedia" e i frammenti di un’identità spezzata Nel film la creazione artistica nasce dal caos, dall’improvvisazione e dalla distanza. Il testo della "tanguedia" arriva infatti a Parigi in piccoli frammenti inviati da Juan Uno, rimasto in Argentina in una sorta di “esilio interno”: parole scarabocchiate su tovaglioli e pezzi di carta che attraversano l’oceano come messaggi clandestini. Juan Dos compone la musica partendo proprio da questi frammenti, mentre l’opera prende forma lentamente tra entusiasmo, conflitti e precarietà. Solanas riflette così anche sull’estetica stessa del cinema e del teatro, mescolando generi diversi nel tentativo di costruire un’opera completa, capace di contenere insieme tragedia, ironia, danza e politica. I francesi che osservano gli artisti argentini restano affascinati, ma anche spiazzati da quella modalità creativa istintiva e passionale, così distante dalla loro visione più razionale e cartesiana dell’arte. Intanto i figli degli esiliati sembrano adattarsi meglio alla nuova vita, cantando e ballando per le strade di Parigi, mentre gli adulti restano prigionieri della nostalgia e della fatica di sopravvivere lontani dalla patria. L’esilio, suggerisce il film, è una rottura insanabile: chi parte si spezza almeno in due pezzi, sospeso tra il Paese lasciato e quello che non riuscirà mai davvero a sentire proprio. Tangos – El exilio de Gardel è attraversato continuamente dal tema della fragilità. I pezzi di carta che volano, le lettere, le cabine telefoniche e i messaggi che impiegano mesi ad arrivare raccontano un mondo che oggi sembra quasi scomparso, ma che nel film diventa simbolo concreto della distanza e dell’attesa. Solanas trasforma questi oggetti in metafore dell’esilio stesso: tango delicato e fragile come carta, delicato e vulnerabile come le vite dei personaggi. Anche i manichini che compaiono nel racconto evocano corpi spezzati, persone che perdono pezzi di sé come macchine impossibili da riparare. Eppure, dentro questa malinconia, il film conserva anche un’energia vitale straordinaria: la capacità di reinventarsi, di trasformare il dolore in arte, di continuare a creare nonostante tutto. Nel finale, sulle note di Volver, la celebre canzone legata a Gardel, riaffiora il desiderio impossibile del ritorno, mentre la figura stanca e minacciata di Gerardo porta sullo schermo il peso fisico e morale di una generazione devastata dalla dittatura argentina. Il film diventa così non solo un’opera poetica sull’esilio, ma anche un documento prezioso sulla violenza della separazione dalla propria terra e sulla necessità di non dimenticare. Runa Simi, il cinema come resistenza culturale nelle Ande peruviane Nel panorama del Festival La Nueva Ola dedicato al cinema spagnolo e latinoamericano, Runa Simi di Augusto Zegarra si distingue come uno dei documentari più intensi e umani della rassegna. Il film segue Fernando Valencia, giovane attivista e doppiatore originario di Cusco, cresciuto tra le comunità dell’altopiano andino dove la cultura quechua continua a sopravvivere tra tradizioni, lingua e memoria collettiva. È proprio lì che nasce il suo sogno apparentemente impossibile: convincere la Walt Disney a realizzare un doppiaggio de Il Re Leone in quechua. Ma il documentario va ben oltre questa impresa simbolica. Zegarra costruisce, infatti, un racconto intimo e politico sul valore della lingua come strumento di identità, appartenenza e dignità culturale. In un mondo dominato da produzioni globalizzate e linguaggi uniformati, Runa Simi restituisce centralità a una cultura ancestrale spesso invisibile, mostrando il cinema come spazio di riconoscimento e trasformazione collettiva. la battaglia per una lingua invisibile Il film evita ogni artificio spettacolare e si affida completamente alla sincerità del suo protagonista, trasformando Fernando Valencia in una sorta di moderno Don Chisciotte delle Ande. Uomo generoso, ostinato e animato da una passione autentica, Fernando porta avanti la propria battaglia culturale con una determinazione che diventa il cuore emotivo del documentario. Accanto alla dimensione pubblica della sua missione emerge anche quella privata, soprattutto attraverso il rapporto con il figlio, che aggiunge delicatezza e profondità al racconto. La regia di Augusto Zegarra accompagna questo viaggio con grande sensibilità, lasciando che siano i paesaggi andini, i silenzi e i piccoli gesti quotidiani a raccontare la forza di una comunità che resiste attraverso la lingua. Anche il montaggio e la colonna sonora contribuiscono a costruire un’atmosfera sospesa tra memoria e speranza, trasformando ogni scena in una riflessione sul rischio di perdere culture e idiomi antichi. Non a caso il documentario ha ottenuto importanti riconoscimenti internazionali, tra cui il Premio Albert Maysles come Miglior Nuovo Regista Documentarista al Tribeca Film Festival 2025, lo Youth Jury Award allo Sheffield DocFest, il Premio del pubblico al Biarritz International Festival of Latin American Cinema, il Premio Iberoamericano al Palm Springs International Film Festival 2026 e due riconoscimenti al Festival de Cine de Lima 2025, confermando Augusto Zegarra come una delle voci più promettenti del nuovo cinema documentario latinoamericano. L’adolescenza ferita nel Cile dopo la dittatura Con Cuerpo Celeste, la regista cilena Nayra Ilic García porta sullo schermo un racconto di formazione che intreccia memoria privata e trauma collettivo. Ambientato nell’estate del 1990, subito dopo la fine della dittatura di Augusto Pinochet, il film segue la quindicenne Celeste mentre affronta il crollo improvviso della propria adolescenza. La morte del padre interrompe la dimensione spensierata delle vacanze nella remota Playa Blanca, nel deserto di Atacama, trasformando il paesaggio dell’infanzia in un luogo carico di inquietudine e mistero. Intorno a lei anche il Cile sta cambiando: il Paese tenta di uscire da diciassette anni di repressione militare, torture e sparizioni forzate, ma le ferite della dittatura restano ancora aperte. Nayra Ilic costruisce così un racconto sospeso tra lutto e trasformazione, in cui la crescita personale di Celeste si intreccia simbolicamente alla rinascita fragile della democrazia cilena. Il deserto di Atacama e l’ombra dei desaparecidos Il deserto di Atacama diventa uno dei grandi protagonisti simbolici del film. Apparentemente vuoto, silenzioso e immobile, custodisce in realtà tracce dolorose del passato. Nel racconto riaffiora il tema dei desaparecidos: oppositori politici sequestrati e fatti sparire dal regime di Pinochet. I misteriosi viaggi dei genitori di Celeste nell’entroterra assumono progressivamente un significato più inquietante: con la scusa di studiare fossili e relitti marini, i due partecipavano in realtà alla ricerca dei corpi dei desaparecidos, segnando con chiodi e pezzi di stoffa rossa i punti sospetti nel deserto. Non volevano che la figlia conoscesse quella verità terribile, tentando di proteggerla il più possibile dall’orrore della storia. In questo senso il film riflette sul rapporto tra memoria e rimozione: il deserto sembra non contenere nulla, eppure conserva tutto. Anche la parola “nada”, ricorrente nel film insieme al motivo del “dark”, diventa simbolo di un vuoto solo apparente, dietro cui si nasconde una memoria collettiva impossibile da cancellare. Cuerpo Celeste colpisce per il suo equilibrio tra delicatezza narrativa e forza evocativa. La fotografia di Sergio Armstrong, dai toni caldi e terrosi, trasforma il paesaggio cileno in uno spazio emotivo, mentre la colonna sonora di David Tarantino amplifica il senso di sospensione e malinconia. Helen Mrugalski offre un’interpretazione intensa e trattenuta, capace di rendere Celeste una figura fragile ma profondamente viva. Nayra Ilic evita ogni retorica politica o melodrammatica, scegliendo uno sguardo intimo e poetico sulla fine dell’innocenza. Il risultato è una storia di formazione essenziale, ma emotivamente potente, dove il trauma storico entra nella vita quotidiana senza mai diventare spiegazione didascalica. Il film ha ottenuto importanti riconoscimenti internazionali, tra cui il Premio Speciale della Giuria al Tribeca Film Festival 2025 e al Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, oltre al Premio EGEDA Platino al Festival di San Sebastián, confermando la forza di un’opera capace di raccontare il Cile post Pinochet attraverso lo sguardo fragile di un’adolescente.

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Nicoletta Notari